programma

Leóš Janáček (1854 – 1928) – Sonata per violino e pianoforte n. 3, JW.7/7

Franz Schubert (1797 – 1828) – Fantasia in do maggiore per violino e pianoforte, op. 159, D. 934

***

Olivier Messiaen (1908 – 1992) – Thème et variations

Ludwig Van Beethoven (1770 – 1827) – Sonata per violino e pianoforte n. 7 in do minore, op. 30 n. 2

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Leonidas Kavakos[/custom_font]

PROGRAMMA

Wolfgang A. Mozart (1756 – 1791) – Sonata No.13 Mi bemolle maggiore, K.333

Isaac Albéniz (1860 – 1909) – Rondeña, Almería, Triana

***

Robert Schumann (1810 – 1856) – Blumenstück in re bemolle maggiore per pianoforte, op. 19

Robert Schumann (1810 – 1856) – Fantasia in do maggiore per pianoforte, op. 17

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

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Kremerata Baltica
Gidon Kremer direttore e solista

video con i dipinti di Maxim Kantor

programma

P. Glass – Orphée suite
(versione per violino, archi e percussioni di A. Pushkarev elaborata su quella per pianoforte di P. Barnes)

F. Schubert – Fantasia  per violino e archi in do maggiore,  D.934
(versione per violino e archi di V. Kissine)

M. Mussorgsky – Quadri da (un’altra) esposizione (”Russia-faces and masks”)
un progetto video comune (materiale video – dipinti di Maxim Kantor) di Gidon Kremer, Maxim Kantor e della Kremerata Baltica 

• P. I. Tchaikovsky – Serenata malinconica (versione per violino e archi di L. Desyatnikov)
• M. Mussorgsky – Quadri da un’ esposizione (versione per archi di J. Cohen)
• V. Sylvestrov – “Serenata per violino solo”

approfondisci sul web:

Kremerata Baltica

Gidon Kremer

Maxim Kantor

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: foto di Khalid Al Busaidi, Royal Opera House Muscat, Oman[/custom_font]

DISCORSO A DUE
Franz Liszt e l’arte italiana
da un’idea di Nazzareno Carusi

con Nazzareno Carusi, pianoforte
e Vittorio Sgarbi, critico d’arte

Il “Discorso a Due” è un’idea originale che Nazzareno Carusi, per sua stessa ammissione, poteva realizzare solo con Vittorio Sgarbi. Al debutto, nel 2010, è seguita, l’anno dopo, l’assegnazione dello storico Premio Lunezia, istituito da Fabrizio de André e Fernanda Pivano, come “migliore recital musicale dell’anno”. Il “Discorso a Due” va in scena raramente, per la eccezionalità della coppia di protagonisti. Ma, quando accade, i palcoscenici sono i maggiori d’Italia: tra gli altri il “Festival Verdi” di Parma, il “Festival delle Nazioni” di Città di Castello e gli “Incontri Asolani”.

Carusi ha raccontato così l’incontro con Sgarbi: “Eravamo insieme in tv, ospiti a Mattino Cinque. Cominciammo a parlare e gli ricordai quanto mi avesse colpito anni prima averlo sentito leggere alcuni versi di John Donne. E aggiunsi che per un mio progetto avevo bisogno proprio di lui: un uomo immensamente colto, capace di un’incredibile lettura espressiva e di collegare e spiegare a chiunque, a braccio, l’arte di ogni tempo e di ogni genere. Capacità che Vittorio Sgarbi ha nelle dimensioni del genio. Mi rispose di sì e nacque il “Discorso a Due”, che è una delle più grandi gioie della mia carriera.”

Da parte sua, Sgarbi ha detto: “Nazzareno Carusi è un musicista sofisticato e un pianista travolgente, perché alla evidente potenza d’interprete somma una personalità e una cultura profonda ed eclettica, la cui misura va oltre i confini musicali. Ha poi un talento naturale d’immedesimazione artistica e letteraria e possiede un carattere forte, condizione necessaria per stabilire quella complicità di anime che fa del “Discorso a Due” un pezzo unico. Infine, con il tempo, l’ammirazione reciproca è diventata certamente un’amicizia sincera e radicata. E questo non era affatto scontato.”.

programma

Giovan Battista Strozzi – La Notte

Franz Liszt – Il penseroso

Michelangelo – Allegoria della Notte

Franz Liszt – Sposalizio

Raffaello – Sposalizio della Vergine

Franz Liszt – Canzonetta del Salvator Rosa

__________

Franz Liszt – Dopo una lettura di Dante (Fantasia quasi Sonata)
Dante Alighieri – Inferno: V Canto
melologo di Nazzareno Carusi

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Nazzareno Carusi e Vittorio Sgarbi[/custom_font]

programma

Ludwig Van Beethoven (1740 – 1792) – Sonata per violino e pianoforte n. 3 in mi bemolle maggiore, op. 12 n. 3

Rocco de Cia (1982) – Perdendosi
Prima esecuzione assoluta. Brano commissionato dalla Società Amici della Musica di Verona e dagli Amici della Musica di Padova.

***

Ludwig Van Beethoven – Sonata per violino e pianoforte n. 4 in la minore, op. 23

Ludwig Van Beethoven – Sonata per violino e pianoforte n. 7 in do minore, op. 30 n. 2

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

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I VIRTUOSI ITALIANI

ALEXANDRA CONUNOVA violino

programma

Edvard Grieg (1843 – 1907)
Holberg Suite op.40
Preludium (Allegro vivace) / Sarabande (Andante espressivo) / Gavotte (Allegretto) /
Air (Andante religioso) / Rigaudon (Allegro con brio)

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 – 1847)
Concerto in re min.per violino e archi, MWV O3
Allegro / Andante / Allegro

Ernest Chausson (1855 – 1899)
Poème per violino e orchestra op. 25

Nino Rota (1911 – 1979)
Concerto per archi Preludio
(Allegro ben Moderato) / Scherzo (Allegro comodo) / Aria (Allegretto quasi Adagio) / Finale (Allegrissimo)

I VIRTUOSI ITALIANI

violini primi
Alberto Martini
Antonio Aiello
Elisbetta Fable
Matteo Marzaro
Natalie Dentini

violini secondi
Luca Falasca
Alberto Ambrosini
David Mazzacan
Anne Sophie Freund

viole
Flavio Ghilardi
Alessandro Pandolfi
Marco Nason

violoncelli
Leonardo Sapere
Gionata Brunelli
Giordano Pegoraro

contrabbasso
Sante Braia

pianoforte
Annalisa Pondero

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Giulia Lazzarini

MURI. PRIMA E DOPO BASAGLIA

testo e regia di Renato Sarti

produzione Teatro della Cooperativa

Camicie di forza, dosi massicce di psicofarmaci, lobotomia, elettroshock: il manicomio. Il racconto non parte dal punto di vista degli ammalati (o sarebbe più giusto chiamarli internati) ma da quello degli infermieri, professione preziosa e difficile che venne scardinata dalla legge del 1978, conosciuta come Legge Basaglia. Da allora il compito del personale ospedaliero non fu più soltanto quello di custodire e pulire, ma di confrontarsi, dialogare e ascoltare. Un’infermiera rivive la sua esperienza di tre decenni in manicomio. Riflette su quello che ha visto e vissuto con una nostalgia particolare, «quela del poeta, quela che te sa tropo bene che non pol tornar». Uno sguardo lucido, estremo, quasi spietato di chi si rende conto che la spinta di quegli anni si è affievolita e rischia di finire inghiottita dall’indifferenza e dall’oblio.

www.teatrodellacooperativa.it

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: foto di Emiliano Boga[/custom_font]

Capitan Scirocco e la perla del Barocco

ideazione e testi di Elisabetta Garilli

Un giorno di giusto vento, Capitan Scirocco disse: <Ciurma! È ora di salpare… Per Trovare la perla del Barocco bisogna conoscere il Barocco… Vento di grecale! Per mille balene ballerine! Togliete gli ormeggi: si parte! >

La coinvolgente storia di un viaggio per mare e dell’avventurosa ricerca della perla barocca.

Lo spettacolo nasce con l’intento di aprire una finestra storica sul periodo barocco: la musica del Seicento offre infiniti spunti narrativi e creativi proprio perché originata da un momento storico ricco di inventiva e di scoperte. È l’epoca dei sontuosi vascelli, dei grandi viaggi alla ricerca di favolosi tesori nascosti. La musica, concepita dai grandi compositori per stupire l’animo, non ha tempo né età.

Interpreti:

insieme musicale: Ensemble del Teatro Ristori
voce narrante: Enrica Compri
illustrazioni e scenografie: Serena Abagnato

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: illustrazione di Serena Abagnato[/custom_font]

programma

Franz Joseph Haydn (1732 – 1809) – Quartetto  in re minore n. 2 “Qinten” Hob III:76

Béla Bartok  (1881 – 1945) – Quartetto per archi n. 4 in do maggiore, BB 95, SZ 91

***

Antonin Dvorak (1841 – 1904) – Quartetto per archi n. 10 in si bemolle op. 51, “Slavo”

ELIAS STRING QUARTET

Sara Bitlloch, violino

Donald Grant, violino

Martin Saving, viola

Marie Bitlloch, violoncello

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Elias String Quartet[/custom_font]

Fabrizio Bosso quartet                                                                       

Fabrizio Bosso, tromba

Julian Oliver Mazzariello, pianoforte

Jacopo Ferrazza, contrabbasso

Nicola Angelucci, batteria

Bop del terzo millennio. I suoi attacchi sono micidiali, il suo senso dello swing proverbiale, il suo eloquio torrenziale. Ma Fabrizio Bosso dispone anche di altre frecce e lo sta dimostrando negli ultimi anni, dopo i folgoranti esordi: la voglia di sbalordire ha infatti lasciato il posto a un equilibrato mix di virtuosismo e poesia. Il trombettista torinese è quindi oggi un artista maturo, capace di agire in più direzioni, di partecipare a omaggi a illustri colleghi come Miles Davis e Don Cherry, di confrontarsi con la musica di Nino Rota, di dialogare con musicisti dal background diverso dal suo come il fisarmonicista Luciano Biondini. Con il suo quartetto Bosso porta a sintesi compiuta le tante esperienze accumulate sino ad oggi: l’amore per il Bop è sempre presente, ma filtrato da un sensibilità e da un gusto personali. Del gruppo fanno parte elementi di sicura affidabilità quali Julian Oliver Mazzariello, uno dei migliori pianisti italiani delle ultime generazioni, il giovane contrabbassista Jacopo Ferrazza e il batterista Nicola Angelucci. Il repertorio è composto in gran parte da brani originali del trombettista, con qualche incursione nella grande musica della tradizione jazzistica e non solo, a seconda dell’ispirazione del momento.

approfondisci sul web:

Fabrizio Bosso

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Duo Lavrynenko – Guliei violoncello e pianoforte

Primo premio assoluto Concorso Internazionale Trio di Trieste 2015

Alessandro Solbiati introduzione all’ascolto

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Petra Magoni, voce

Ferruccio Spinetti, contrabbasso

Un incontro fortuito voluto dal destino quello tra Petra Magoni e Ferruccio Spinetti, duo che risponde al nome di Musica Nuda. Cantante solista con all’attivo già quattro album, nel gennaio 2003 Petra Magoni aveva in programma un mini-tour in alcuni piccoli club della “sua” Toscana con un amico chitarrista. Proprio il giorno del loro primo concerto, quest’ultimo si ammala. Petra, invece di annullare la data, chiede a Ferruccio, già contrabbassista degli Avion Travel, di sostituirlo all’ultimo minuto. Il concerto ottiene un tale successo che i due protagonisti di questo “Voice’n’bass” combo, nel giro di qualche settimana, mettono insieme un intero repertorio composto dalle canzoni che più amano e di slancio registrano in una sola giornata il loro primo album “Musica Nuda”, titolo che darà poi il nome anche al loro duo. In dodici anni di intensa attività concertistica in tutto il mondo, Musica Nuda ha collezionato riconoscimenti prestigiosi vantando nel proprio palmarès la “Targa Tenco 2006” nella categoria interpreti, il premio per “Miglior Tour” al Mei di Faenza 2006 e “Les quatre clés de Télérama” in Francia nel 2007. Nel corso degli anni, Ferruccio e Petra hanno portato il loro progetto in giro per il mondo, riuscendo a raggiungere anche spazi prestigiosi tra cui l’Olympia di Parigi, l’Hermitage di San Pietroburgo. Inoltre, sono stati ospiti del Tanz Wuppertal Festival di Pina Bausch e, sempre in Germania, hanno aperto i concerti di Al Jarreau. Nel marzo 2014 sono stati gli unici ospiti musicali della “Giornata Mondiale del Teatro” che si è celebrata all’interno del Senato della Repubblica, alla presenza del Presidente Pietro Grasso.

approfondisci sul web:

MUSICA NUDA

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PROGRAMMA

Fryderyk Franciszek Chopin (1810 – 1849)

Due notturni per pianoforte, op. 27

Due notturni per pianoforte  op.32

Due notturni per pianoforte  op.37

ENZO RESTAGNO, musicologo
ROBERTO PEGORARO, pianoforte

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Enzo Restagno[/custom_font]

La Scuola de’ Gelosi

dramma giocoso in due atti su libretto di Caterino Mazzolà

musica di Antonio Salieri

prima rappresentazione in tempi moderni

Trascrizione dall’Autografo originale a cura di Jacopo Cacco e Giovanni Battista Rigon (custodito presso la Österreichische Nationalbibliothek)

direttore Giovanni Battista RIgon

regia di Italo Nunziata

scene di Andrea Belli

costumi di Valeria Donata Bettella

disegno luci di Marco Giusti

orchestra I VIrtuosi Italiani

Personaggi ed interpreti:

Conte Bandiera, tenore Patrick Kabongo

Contessa Bandiera, soprano Francesca Longari

Blasio, baritono Benjamin Cho

Ernestina, soprano Eleonora Bellocci

Lumaca, baritono Qianming Dou

Carlotta, mezzosoprano Ana Victoria Pitts

Il Tenente, tenore Manuel Amati

Spettacolo realizzato su iniziativa

di Fondazione Culturale Antonio Salieri di Legnago

in coproduzione tra Fondazione Pergolesi Spontini di Jesi, Teatro Ristori di Verona, Deputazione Teatrale Teatro Marrucino di Chieti, Fondazione Teatro del Maggio Musicale Fiorentino,

con l’adesione di Fondazione Teatri delle Dolomiti di Belluno

la partecipazione di Accademia del Maggio Musicale Fiorentino ed il sostegno di Fondazione Cariverona.

Rappresentata per la prima volta al Teatro San Moisé di Venezia nel 1778, quest’opera comica ottenne subito un grande successo e si diffuse rapidamente in tutta Europa. Il libretto di Caterino Mazzolà fu revisionato nel 1783 da Lorenzo Da Ponte per una seconda versione che andò in scena al Burgtheater di Vienna. La vicenda, al di là delle consuete, divertenti schermaglie amorose tra i protagonisti tipiche del melodramma giocoso, è interessante perché coinvolge personaggi di diversa estrazione sociale – aristocratici, borghesi e servitori, anticipando situazioni drammaturgiche che ritroveremo nella trilogia Mozart-Da Ponte.

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: foto di Chiara Battistella[/custom_font]

La Scuola de’ Gelosi

dramma giocoso in due atti su libretto di Caterino Mazzolà

musica di Antonio Salieri

prima rappresentazione in tempi moderni

Trascrizione dall’Autografo originale a cura di Jacopo Cacco e Giovanni Battista Rigon (custodito presso la Österreichische Nationalbibliothek)

direttore Giovanni Battista RIgon

regia di Italo Nunziata

scene di Andrea Belli

costumi di Valeria Donata Bettella

disegno luci di Marco Giusti

orchestra I VIrtuosi Italiani

Personaggi ed interpreti:

Conte Bandiera, tenore Patrick Kabongo

Contessa Bandiera, soprano Francesca Longari

Blasio, baritono Benjamin Cho

Ernestina, soprano Eleonora Bellocci

Lumaca, baritono Qianming Dou

Carlotta, mezzosoprano Ana Victoria Pitts

Il Tenente, tenore Manuel Amati

Spettacolo realizzato su iniziativa

di Fondazione Culturale Antonio Salieri di Legnago

in coproduzione tra Fondazione Pergolesi Spontini di Jesi, Teatro Ristori di Verona, Deputazione Teatrale Teatro Marrucino di Chieti, Fondazione Teatro del Maggio Musicale Fiorentino,

con l’adesione di Fondazione Teatri delle Dolomiti di Belluno

la partecipazione di Accademia del Maggio Musicale Fiorentino ed il sostegno di Fondazione Cariverona.

Rappresentata per la prima volta al Teatro San Moisé di Venezia nel 1778, quest’opera comica ottenne subito un grande successo e si diffuse rapidamente in tutta Europa. Il libretto di Caterino Mazzolà fu revisionato nel 1783 da Lorenzo Da Ponte per una seconda versione che andò in scena al Burgtheater di Vienna. La vicenda, al di là delle consuete, divertenti schermaglie amorose tra i protagonisti tipiche del melodramma giocoso, è interessante perché coinvolge personaggi di diversa estrazione sociale – aristocratici, borghesi e servitori, anticipando situazioni drammaturgiche che ritroveremo nella trilogia Mozart-Da Ponte.

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Babbo Natale e la lettera smarrita

Musiche di C. Gounod, ideazione e testi di E. Garilli

“Dovete sapere che Babbo Natale ha la sua Orchestra personale…”

“…pochi sanno delle tantissime azioni che questa svolge per tutti, di solito in segreto.

Ad Esempio: “chi secondo voi fa alzare nel cielo la slitta con tutte le renne?”

Gounod, con la sua musica, accompagna l’avventura di una lettera smarrita che verrà recapitata grazie all’ennesima magia della nostra orchestra di fiati.

Interpreti:

insieme cameristico Falco Ensemble,

voce narrante: Elisabetta Garilli,

mimo: Giulia Carli e Enrica Compri,

scenografie: Serena Abagnato.

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: illustrazione di Serena Abagnato[/custom_font]

PROGRAMMA

Antiche melodie inglesi

Felix  Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) – Tre mottetti latini op. 39

***

Benjamin Britten (1913-1976) – A Cerimony of Carols Op. 28 per voci bianche e arpa

Irving Berlin (1888-1989) – White Christmas

Adolph Adam (1803-1856) – O Holy Night

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

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I VIRTUOSI ITALIANI
FEDERICO MONDELCI direttore e saxofono
MASSIMO MORGANTI trombone jazz

programma

J. Ibert – Concertino da Camera per sassofono contralto e 11 strumenti
E. Bozza – Aria per sassofono e archi
D. Milhaud – Scaramouche
J. Françaix – Cinq Dances Exotiques per sassofono e archi

PLAISIR D’AMOUR
Suite di canzoni francesi e americane per sassofono, trombone, orchestra e ensemble jazz (arrangiamenti di Massimo Morganti)

C. Trenet – Que reste-t-il de nos amours?
J. Kosma/J. Prévert – Les feuilles mortes
J. P. Aegidius Martini – Plaisir d’amour
G. Gershwin – Fashinathing Rhythm, The Man I Love, Summertime, I Love You Porgy, I Got Rhythm, But Not for Me

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Fratelli Dalla Via

DRAMMATICA ELEMENTARE

di e con Marta Dalla Via, Diego Dalla Via

direzione tecnica Roberto Di Fresco

Produzione La Piccionaia, Opera Estate Festival Veneto

C’erano una volta la A di ape, la B di barca, la C di casa. Ma l’alfabeto non è più quello delle vecchie scuole elementari. Nella società dell’allarmismo, della globalizzazione e dei localismi la A è quella dell’attacco all’America, la O quella di Osama e Obama, la P quella di polentosa Pianura Padana e così via. Espulsi dalle scuole di ogni ordine e grado, traditi, come Hansel e Gretel, da chi li doveva tutelare, due alunni, approssimativamente analfabeti, disegnano drammaturgie tratte da un loro nuovo dizionario in stile dadaista. Basato su una struttura di acrostici e tautogrammi, il percorso dei due protagonisti diventa una favola scolastica che racconta il desiderio di giocare con le parole e di trasformarle in un dissacrante abbecedario contemporaneo in forma di racconto.

Fratelli Dalla Via
Sono una piccola impresa famigliare che costruisce storie. Marta e Diego, dopo aver sviluppato parallelamente una serie di esperienze formative, professionali e umane, decidono di unire la propria voce in un percorso artistico comune, accettando la sfida di abitare e lavorare a Tonezza del Cimone, il paese sulle montagne vicentine dove sono nati. La loro prima scrittura per la scena è Piccolo Mondo Alpino progetto vincitore del Premio Kantor 2010 e del premio speciale della giuria nel concorso drammaturgico CTAS Oltrelaparola nel 2011. La loro seconda prova drammaturgica è Mio figlio era come un padre per me, vincitore del Premio Scenario 2013. Lo spettacolo debutta al Franco Parenti di Milano e viene rappresentato in oltre settanta città nel corso delle stagioni successive. Il loro nuovo progetto Drammatica Elementare ha debuttato a Vicenza il 26 febbraio 2016.

www.martadallavia.net

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PROGRAMMA

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) – “OFFERTA MJUSICALE” IN RE MINORE, BWV 1079

LE CONCERT DE NATIONS

JORDI SAVALL, viola da gamba e direzione

PIERRE HANTAÏ, clavicembalo

MANFREDO KRAEMER, violino

DAVID PLANTIER, violino

MARC HANTAÏ, traverso

BALÁZS MÁTÉ, violoncello

XAVIER PUERTAS, contrabbasso

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Le Concert De Nations[/custom_font]

MITTELEUROPA ORCHESTRA
direttore ALESSANDRO VITIELLO
mezzosoprano ANNA MARIA CHIURI

W.A. Mozart – Don Giovanni – Ouverture
W.A. Mozart – Don Giovanni – Mi tradì quell’alma ingrata (recitativo ed aria)
G. Rossini – La gazza ladra – Sinfonia
G. Verdi – Don Carlo – Canzone del velo (Nel giardin del bello saracin ostello)
G. Verdi – Il trovatore – Condotta ell’era in ceppi
P. Mascagni – Cavalleria rusticana – Intermezzo
P. Mascagni – Cavalleria rusticana – Voi lo sapete, o mamma
G. Verdi – Nabucco, Ouverture
G. Donizetti – La Favorite – O mon Fernand

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Gli Harlem Gospel Choir sono il più famoso Coro Gospel d’America, nonché uno dei più longevi.

Dal 1986, Allen Bailey e il suo coro, formato dalle più belle voci di Harlem e New York City, gira il mondo condividendo con il pubblico la gioia nella Fede e raccogliendo fondi da devolvere in opere di bene. In oltre 25 anni di grandiosa carriera gli Harlem Gospel Choir hanno sempre cercato di oltrepassare barriere culturali unendo nazioni e persone, provando a dare sempre qualcosa in cambio, anche se questo sia semplicemente stato un piccolo sorriso.

Il Coro ha cantato per il Presidente Obama, la famiglia Reale inglese Nelson Mandela, Elton John, due Papi e all’International broadcast memorial per Michael Jackson. Vere e proprie superstars hanno inoltre voluto collaborare con loro: da Andre Rieu a Diana Ross, da Bono ai Chieftains, da Lyle Lovett a Josh Groban ai Gorillaz.

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UKRAINIAN RADIO SYMPHONY ORCHESTRA  – KIEV

VOLODYMYR SHEIKO direttore

I PARTE

Gioachino Rossini:  Sinfonia da “Semiramide”

Franz Von Suppé:  Sinfonia da “Poeta e contadino”

Johann Strauss jr:  “Lagunen-Walzer” op.411 (Valzer degli Amici)

Johann Strauss jr:  Ouverture da “Die Fledermaus” (Il Pipistrello)

II PARTE

Johann Strauss jr:  “Wein, Weib und Gesang !”  op.333 (Vino, Donne e Canto !)

Johann Strauss jr: “Spanischer Marsch” op.433 (Marcia Spagnola)

Johann Strauss jr: “Neue Pizzicato Polka”  op.449

Johann Strauss jr:  “Kaiser-Walzer” op.437 (Valzer dell’Imperatore)

Johann Strauss jr: “Im Krapfenwald’ polka op. 336 (Nel bosco di Krapfen)

Johann Strauss jr:  “Tritsch-Tratsch Polka” op. 214

Johann Strauss jr:  “An der schönen blauen Donau”  valzer op. 314 (Sul bel Danubio blu)

Al termine un brindisi d’Auguri per il Nuovo Anno

UKRAINIAN RADIO SYMPHONY ORCHESTRA  – KIEV

L’Orchestra Sinfonica della Radio Nazionale Ucraina (OSRNU) ha al suo attivo oltre 85 anni di attività e di grandi successi in tournée realizzate in tutto il mondo.
Il 5 ottobre 1929 è iniziata l’attività concertistica della OSRNU, con 45 musicisti stabili che proposero al pubblico di Kharkov (la precedente capitale dell’Ucraina) un ciclo con le sinfonie ed i poemi sinfonici composti da P.I Cajkovskij.
In seguito fu trasferita a Kiev ed i musicisti stabili divennero 60.
Nel corso della sua pluridecennale attività, la OSRNU è stata diretta dai più importanti direttori russi (da O.Klimov a G.Rozhdestvenskiy), e si è contraddistinta per il rilievo dato nella conservazione e valorizzazione delle tradizioni musicali dell’Europa orientale, con un archivio che comprende più di 10.000 incisioni di composizioni orchestrali effettuate a Kiev in uno dei più grandi studi di registrazione a livello europeo.
L’incessante attività istituzionale in patria ed oltre confine, e la partecipazione a vari prestigiosi Festival musicali (propendo anche brani in prima esecuzione assoluta), ha consentito all’ Orchestra Sinfonica della Radio Nazionale di raggiungere lo status di migliore compagine strumentale dell’ Ucraina.
http://www.nrcu.gov.ua/en/symphony_orchestra

Dal luglio 2005 il M° VOLODYMYR SHEIKO è stato nominato direttore principale e direttore artistico della OSRNU.
Nato a Kharkov, ha studiato al Conservatorio di Kiev. Kappelmeister all’Opera Nazionale di Kiev si è perfezionato al Teatro Bolshoj di Mosca sotto la guida di Fuat Mansurov.
Con la direzione di Sheiko, la OSRNU ha realizzato oltre 250 registrazioni di musiche ucraine ed internazionali a favore del Fondo Nazionale della Radio, effettuando numerose tournée all’estero negli ultimi anni, in ben 11 nazioni:  Italia, Spagna, Portogallo, Belgio, Olanda, Lussemburgo, Polonia, Bielorussia, Algeria, Iran, Corea del Sud.
Nel corso della sua carriera, il M° Sheiko è stato insignito di varie onorificenze dallo Stato Ucraino per l’intensa opera svolta a favore della diffusione musicale: dal “Diploma Onorario del Parlamento” (2005), fino al recente  titolo di “Artista del Popolo” (2015).
http://vladimirsheiko.com

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IL MAESTRO, I DISCEPOLI

MODO ANTIQUO
FEDERICO MARIA SARDELLI direttore

A. Corelli – da Concerti grossi Op. VI (1700) Concerto grosso n.1 in Re magg., (vers. con trombe e oboi)
G. F. Händel – dai Concerti grossi Op. VI (London, 1739) Concerto grosso n. 6 in Sol min.
A. Vivaldi – sinfonia dall’opera Il Farnace (Reggio Emilia, 1727)
G. F. Händel – dai Concerti grossi Op. III (London, 1734) Concerto grosso n. 4 in Fa magg.
A. Vivaldi – concerto in mi min. per violino, archi e b. c. “Il Favorito” RV 277
A. Vivaldi – sonata RV 820 in Sol magg. per violino, violoncello e Bc (nuova scoperta)
A. Corelli – da Concerti grossi Op. VI (1700) Concerto grosso n. 4 in re magg, (vers. con trombe e oboi)

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PROGRAMMA

Wolfgang  Amadeus  Mozart (1756 – 1791) – Dodici variazioni sul tema “Ah, vous dirai-je, Maman”

Robert Schumann (1810 – 1856) – Scene infantili op.15

Charles-Valnetin Alkan (1813 – 1888) – Le festin d’Esope Op. 39 n. 12

***

Johannes Brahms (1833 – 1897) – Variazioni su un tema di Paganini in la minore op.35, I libro

Franz Liszt (1811-1886) – Rigoletto. Paraphrase de concert S434

Franz Liszt  – Reminiscences de Don Juan S418

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Ilaria Loatelli[/custom_font]

Enrico Rava, tromba

Francesco Iodati, chitarra

Gabriele Evangelista, contrabbasso

Enrico Morello, batteria

Enrico Rava instancabile come non mai alla bella età di 75 anni si mette alla guida di un quartetto formato da giovanissimi talenti e sforna il RAVA NEW QUARTET.

Ne fanno parte Francesco Diodati, Gabriele Evangelista ed Enrico Morello.

approfondisci sul web:

Enrico Rava

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: Enrico Rava official website[/custom_font]

SILENCE on TOURNE / CIAK  si GIRA
Un appassionato omaggio al cinema musicale  degli anni ’30 e ‘40

Direzione  Artistica  Riyad Fghani

Assistente alla direzione artistica Abdelhafid Sour
Interpreti

Mehdi Meziane ,Farès Baliouz,Livio Bordeau,Patrick M’Bala,Moncef Zebiri, Abdelhafid Sour,
Nagueye Mahmoud ,Riyad Fghani

Coreografia : Riyad Fghani

Assistente alla coreografia : Abdelhafid Sour

Creazione  Musicale Alexis Roure «Psykot»

Creazione Scene e  Luci  Arnaud Carlet
Costumi Nadine Chabannier
Produzione Association Qui fait ça ? Kiffer ça !

Co-produzione :   Cie Pockemon Crew, Théâtre de Suresnes Jean Vilar

Con il sostegno di : Région Rhone-Alpes, Opéra National de Lyon, Centre Chorégraphique de Bron/Pôle Pok, Maison des Essarts, MJC Laennec Mermoz, CNN de Rillieux-la-Pape e la Maison de la Danse de Lyon

Pokemon Crew Dance

Una delle compagnie hip hop tra le più titolate al mondo rende un appassionato omaggio al cinema musicale. L’irrefrenabile energia del gruppo guidato da Riyad Fhgani, nato alla fine degli anni novanta sul piazzale davanti all’Opera di Lione, continua ad imporsi nei maggiori contest internazionali e a girare il mondo con un successo travolgente.

Inventivi e passionali, con questa loro creazione i Pockemon Crew esplorano due mondi che li appassionano: il cinema e l’origine di certi movimenti della danza hip-hop.  Una vera propria immersione nel cinema in bianco e nero degli anni ’30 e ’40  le cui commedie musicali ricordano in un certo senso l’energia e l’originalità della danza hip hop.

Scene e costumi trasportano lo spettatore attraverso i film musicali che hanno segnato la golden age holliwodiana (Fred Astaire,Gene Kelly, Vincent Minelli o Stanly Donen) e i danzatori esplorano le origini delle loro danze con frenesia  e poesia allo stesso tempo , pur mantenendo l’energia spontanea della “settima arte “   .

Vuole anche essere un   omaggio  alla città che li ospita, Lione, in cui nel 1895 è nato il cinema dei Fratelli Lumière.

Riyad Fghani
Nato il 17 giugno 1979 a Chalon sur Saone, debutta nel mondo della danza hip-hop all’età di quindici anni, seguendo le orme del fratello maggiore e dei suoi amici. Nel 1995 si sposta a Lione con l’intento di perfezionare la sua tecnica attraverso un’attività intensiva della disciplina. Partecipa nel 1998 alla Biennale de la Danse, spazio giovani e viene considerato il miglior interprete.
La sua carriera decolla, continua la sua attività di autodidatta dell’hip-hop aprendo allo stesso tempo ad altre collaborazioni, tra queste la creazione nel 1999 di «Clandestin de mes rêves» con la compagnie HYPNOSE e nel novembre 2000 per la creazione de « La chauve souris » con l’Opéra National de Paris (Opéra Bastille). Le diverse collaborazioni artistiche e professionali, l’incontro con nuovi artisti di diverse discipline (danza contemporanea, classica, mimo, arte circense, cantanti) gli aprono nuovi orizzonti da applicare al suo metodo di lavoro. Così nel 2004 crea la sua prima opera “teatrale” per Pockemon Crew «Sii…si !» nella quale riesce a far emergere l’energia e la tecnica del gesto che rappresentano la purezza dell’hip-hop. Segue « C’est ça la vie ?! » presentata nel 2006 in apertura della Biennale di Lione, questo lavoro consacra la compagnia. Parallelamente alla sua attività di direttore artistico, dal 2005 seleziona anche “les Smockemons”, nuova generazione di danzatori break-dancers integrati alla compagnia con i quali partecipa ai più importanti contest internazionali di danza.

approfondisci sul web:

Pokemon Crew Dance [sito ufficiale]

Video

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BACH EXPERIENCE I
I VIRTUOSI ITALIANI

Integrale dei concerti per 2, 3 e 4 clavicembali di J. S. Bach
Solisti: Roberto Loreggian – Alexandra Koreneva – Marco Vincenzi – Marija Jovanovic
Maestro di concerto al violino Alberto Martini

Johann Sebastian Bach Concerto per 2 Clavicembali e archi in do minore, BWV 1062:
I. Senza indicazione di tempo
II. Andante e piano
III. Allegro assai
Roberto Loreggian – Alexandra Koreneva

Johann Sebastian Bach Concerto per 2 Clavicembali e archi in do maggiore, BWV 1061:
I. Senza indicazione di tempo
II. Adagio Ovvero Largo
III. Fuga
Roberto Loreggian – Marco Vincenzi

Johann Sebastian Bach Concerto per 2 Clavicembali e archi in do minore, BWV 1060:
I. Allegro
II. Largo Ovvero Adagio
III. Allegro
Alexandra Koreneva – Marco Vincenzi

Johann Sebastian Bach Concerto per 3 Clavicembali e archi in re minore, BWV 1063:
I. Allegro
II. Alla siciliana
III. Allegro
Alexandra Koreneva – Marija Jovanovic – Roberto Loreggian

Johann Sebastian Bach Concerto per 3 Clavicembali e archi in do maggiore, BWV 1064:
I. Senza indicazione di tempo
II. Adagio
III. Allegro
Marco Vincenzi – Marija Jovanovic – Roberto Loreggian

Antonio Vivaldi Concerto per 4 Violini, violoncello concertante, archi e basso continuo in si minore Op. 3, No. 10, RV 580:
I. Allegro
II. Adagio
III. Allegro
Alberto Martini, Luca Falasca, Antonio Aiello, Matteo Marzaro, violini; Leonardo Sapere violoncello

Johann Sebastian Bach Concerto per 4 Clavicembali e archi in la minore, BWV 1065 [arr. da: A. Vivaldi Concerto per 4 Violini, violoncello concertante, archi e basso continuo in si minore Op. 3, No. 10, RV 580]:
I. Allegro
II. Adagio
III. Allegro
Marija Jovanovic – Alexandra Koreneva – Roberto Loreggian – Marco Vincenzi

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto I Virtuosi Italiani[/custom_font]

PIERINO E IL LUPO
favola musicale per voce e orchestra

musica di Sergej Prokofiev

Luigi Maio “il Musicattore”

Ensemble del Teatro Ristori

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[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: foto di Gianfranco Mancini[/custom_font]

ORCHESTRA HAYDN DI BOLZANO E TRENTO
STEFAN MILENKOVICH violino
EIVIND GULLBERG JENSEN direttore

Felix Mendelssohn-Bartholdy – Die Hebriden (Fingal’s Höhle), op. 26
Ludwig van Beethoven – Concerto per violino e orchestra in re maggiore, op. 61
Felix Mendelssohn-Bartholdy – Sinfonia n. 3 in la minore, op. 56 “Scozzese”

Stefan Milenkovich
Nato a Belgrado, ha iniziato lo studio del violino all’età di tre anni, dimostrando subito un raro talento che lo porta alla sua prima apparizione con l’orchestra, come solista, all’età di sei anni ed incominciando una carriera che lo ha portato ad esibirsi in tutto il mondo. È stato invitato, all’età di 10 anni, a suonare per il presidente Ronald Reagan in un concerto natalizio a Washington, per il presidente Mikhail Gorbaciov quando aveva 11 anni e per il Papa Giovanni Paolo II all’età di 14 anni. Ha festeggiato il suo millesimo concerto all’età di sedici anni a Monterrey in Messico. S.Milenkovich è stato vincitore di molti premi partecipando ai più importanti concorsi internazionali: il Concorso di Indianapolis (USA), il “Tibor Varga” (Svizzera), il “Queen Elizabeth” (Bruxelles), lo “Yehudi Menuhin” (Gran Bretagna), il “Ludwig Spohr” di Weimar ed il Concorso di Hannover (Germania), il “Lipizer”di Gorizia ed il “Paganini” di Genova in Italia. Riconosciuto a livello internazionale per le sue eccezionali doti tecniche ed interpretative, ha suonato come solista con l’Orchestra Sinfonica di Berlino, l’Orchestra di Stato di San Pietroburgo, l’Orchestra del Teatro Bolshoj, la Helsinki Philharmonic, l’Orchestra di Radio-France, l’Orchestra Nazionale del Belgio, la Filarmonica di Belgrado, l’Orchestra di Stato del Messico, l’Orchestra Sinfonica di Stato di San Paolo, l’Orpheus Chamber Orchestra, le Orchestre di Melbourne e del Queensland in Australia, l’Indianapolis Symphony Orchestra, la New York Chamber Symphony Orchestra, la Chicago Symphony Orchestra, collaborando con direttori del calibro di Lorin Maazel, Daniel Oren, Lu Jia, Lior Shambadal, Vladimir Fedoseyev, Sir Neville Marriner. La sua discografia include tra l’altro le Sonate e le Partite di J.S. Bach, e l’integrale per la Dynamic (2003) delle composizioni di Paganini per violino solo. Stefan Milenkovich è impegnato anche in cause umanitarie: tra l’altro nel 2003 gli è stato attribuito a Belgrado il riconoscimento “Most Human Person”. Ha inoltre partecipato a numerosi concerti patrocinati dall’UNESCO a Parigi, esibendosi al fianco di Placido Domingo, Lorin Maazel, Alexis Weissenberg e
Sir Yehudi Menuhin. Dedito anche all’insegnamento, dal 2002 è stato assistente di Itzhak Perlman alla Juilliard School di New York, prima di accettare l’attuale incarico di Professore di violino all’Università dell’Illinois, USA. www.stefanmilenkovich.com

Eivind Gullberg Jensen
Norvegese, nato nel 1972, ha studiato violino e teoria musicale a Trondheim e direzione d’orchestra con Jorma Panula alla Kunglia Musikhögskolan di Stoccolma (1996-2000) e con Leopold Hager alla Hochschule für Musik und darstellende Kunst di Vienna (2002), perfezionandosi con David Zinman all’Aspen Music Festival e con Kurt Masur in Polonia e a New York. Dal 2009 al 2014 egli è stato il direttore principale della NDR-Radiophilharmonie di Hannover, che ha diretto anche in tournée in Argentina, Austria, Brasile, Francia, Italia e Norvegia. Come direttore ospite Gullberg Jensen è apparso con l’Orchestra Filarmonica e l’Orchestra della Radio NDR di Amburgo, l’Orchestra della Radio SWR di Baden-Baden e Friburgo, i Bamberger Symphoniker, l’Orquestra Simfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, l’Orchestra da Camera di Basilea, la Ulster Orchestra di Belfast, l’Orchestra Filarmonica di Bergen, i Berliner Philharmoniker e la Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestra della Beethovenhalle di Bonn, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, l’Orchestre Nationale de Belgique di Bruxelles, la BBC National Orchestra of Wales di Cardiff, l’Orchestra della Radio WDR e la Gürzenich-Orchester di Colonia, l’Orchestra Nazionale Danese di Copenaghen, in tournée con la Junge Deutsche Philharmonie, la RTÉ National Symphony Orchestra di Dublino, l’Orchestra della Radio di Francoforte sul Meno, la Gävle Symfoniorkester, la Royal Scottish National Orchestra di Glasgow, le Orchestre Filarmoniche di Göteborg e Helsinki, la Radio Filharmonisch Orkest di Hilversum al Concertgebouw di Amsterdam, l’Orchestre de Chambre de Lausanne alla Victoria Hall di Ginevra, l’Orchestre National de Lille, l’Orchestra del Gewandhaus di Lipsia, la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, la London Philharmonic Orchestra alla Royal Festival Hall e la Philharmonia Orchestra di Londra al Marlowe Theatre di Canterbury, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, l’Orchestre Philharmonique de Monte Carlo, i Münchner Philharmoniker, la Filarmonica di Oslo, l’Orchestre de Paris e l’Orchestre National de France di Parigi alle Chorégies d’Orange, l’Orquestra Sinfonica do Porto, l’Orchestra Filarmonica Ceca di Praga al Festival di Bad Kissingen, al Festival Pablo Casals di Puerto Rico, con la Filarmonica di Rotterdam, l’Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, con la Filarmonica Reale di Stoccolma, la New Japan Philharmonic e la Yomiuri Nippon Symphony Orchestra di Tokio, i Wiener Symphoniker nonché l’Orchestra della Tonhalle di Zurigo. Ha collaborato tra l’altro con solisti quali Leif Ove Andsnes, Yefim Bronfman, Gautier Capuçon, Renaud Capuçon, Albert Dohmen, Sol Gabetta, Alban Gerhardt, Nelson Goerner, Hélène Grimaud, Martin Grubinger, Hilary Hahn, Gabriela Montero, Truls Mørk, Viktoria Mullova, Emmanuel Pahud, Vadim Repin, Alexander Toradze, Jörg Widmann e Frank Peter Zimmermann. Prossimamente dirigerà la Staatsorchester di Darmstadt, gli Hamburger Symphoniker, l’Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares e l’Orchestra Filarmonica del Teatro La Fenice di Venezia. In campo operistico egli ha diretto tra l’altro Fidelio di Beethoven (con la Mahler Chamber Orchestra) al Festspielhaus di Baden-Baden, alla Bayerische Staatsoper di Monaco e al Théâtre des Champs-Elysées di Parigi, Il vascello fantasma di Wagner in forma di concerto per la Radio NDR, Il corsaro di Verdi a Zurigo, Djamileh di Bizet (con la regia di Christopher Alden) all’Opéra de Lyon, Il crepuscolo degli dei di Wagner ancora per la NDR, Evgenij Onegin di Čajkovskij e La bohème di Puccini (con la regia di Stefan Herheim) alla Norske Opera di Oslo (registrata anche in DVD), Tosca (con la regia di Nikolaus Lehnhoff e la Deutsches Symphonie-Orchester di Berlino) a Baden-Baden e al Nuovo Teatro Nazionale di Tokio, Rusalka di Dvořák a Oslo, al Teatro dell’Opera di Roma e a Zurigo, Jenůfa di Janáček all’English National Opera di Londra, Il tabarro di Puccini (con la regia di David Pountney) all’Opéra de Lyon, Turandot a Lucca, La carriera di un libertino di Stravinskij all’Opera Nazionale Finlandese di Helsinki e la Passione greca di Martinů a Zurigo. Ad aprile dirigerà Il vascello fantasma all’Opéra de Lille e a maggio debutterà alla Staatsoper di Vienna con Tosca. Ha inciso il Concerto di Grieg sia con Shani Diluka e l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine (CD Mirare Productions/harmonia mundi) sia con Miroslav Kultysheh e la NDR-Radiophilharmonie (CD Orfeo), i Concerti per violino di Čajkovskij e Nielsen con Vilde Frang e la Radiosymfoniorkestret di Copenaghen (CD EMI), musiche di Richard Strauss con la Radio-Sinfonieorchester Stuttgart (DVD), di Leonardo Balada (CD Naxos) e di Wolfgang Rihm con la SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg (CD Hänssler), nonché un disco con Rolando Villazón (CD SWR).

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L’Angelo del Tempo

Olivier Messiaen, Quartetto per la fine del Tempo

Per la Giornata della Memoria

Sandro Cappelletto voce narrante

Ex Novo Ensemble
Davide Teodoro clarinetto
Carlo Lazari violino
Carlo Teodoro violoncello
Aldo Orvieto pianoforte

– ATTENZIONE l’orario di inizio spettacolo è stato spostato alle ore 11.00 –

La ricostruzione delle circostanze eccezionali, perfino incredibili, in cui Messiaen, nel 1941, prigioniero dei tedeschi, scrive questo capolavoro. La forza visionaria della musica che invita comunque a sperare, a credere in un futuro diverso, pacificato.

Il Quartetto per la fine del Tempo
Nacque nel campo di concentramento di Görlitz uno dei capolavori di Olivier Messiaen

Fra le composizioni del musicista francese Olivier Messiaen (1908-1982), il Quatuor pour la fin du Temps (Quartetto per la fine del Tempo) occupa un posto di sicuro riguardo. Quando si ascolta questo capolavoro della musica del Novecento, non si può fare a meno di pensare al contesto in cui è nato ed è stato inizialmente eseguito, ovvero il campo di concentramento di Görlitz in Slesia. Lì l’autore era internato, nel 1940, insieme ad altri 30.000 soldati, in prevalenza connazionali, catturati dalle truppe tedesche. Tra i suoi compagni di prigionia c’erano il violinista Jean Le Boulaire, il clarinettista Henry Akoka e il violoncellista Étienne Pasquier. La presenza di bravi musicisti, e di un noto compositore, giunse all’orecchio dei responsabili del lager, che chiesero a Messiaen di scrivere un trio. Al proposito si narra che, mentre le Boulaire e Akoka, quando erano stati fatti prigionieri, avevano lo strumento con loro, Pasquier ne era privo. Doveva quindi recuperare un violoncello e, dopo aver reperito miracolosamente i fondi necessari, ebbe il permesso di recarsi, scortato, da un liutaio di Görlitz per acquistarlo. Il caso volle, poi, che Messiaen, mentre lavorava alla ristrutturazione di una baracca destinata a diventare un teatro per i prigionieri, trovò un pianoforte, malconcio, ma ancora utilizzabile. Il trio divenne così un quartetto e, dopo numerose prove, il 25 gennaio 1941, il brano conobbe la prima esecuzione, nello Stalag VIII-A, con lo stesso Messiaen al pianoforte, davanti a 400 infreddoliti prigionieri di tutte le classi sociali e a numerosi ufficiali tedeschi. La composizione, che da quel momento ha conosciuto una costante notorietà, risulta divisa in otto movimenti, ognuno dei quali presenta un personaggio o una vicenda riportati nell’Apocalisse di San Giovanni. Dal punto di vista musicale, il Quartetto è attraversato da uno stile caratteristico del Novecento, con un linguaggio non sempre facile da recepire, ma che rende piuttosto bene le suggestioni riguardanti la fine del mondo. Le righe conclusive le dedichiamo al titolo, che possiede almeno altri due significati, oltre a quello strettamente apocalittico. Il primo è relativo alla fine delle “variazioni e divisioni, sottese al ritmo, che nell’eternità non avranno più senso”, come teneva a precisare l’autore nel descrivere la sua composizione, il secondo risulta collegato alla speranza che la guerra potesse terminare quanto prima.

Ex Novo Ensemble
Nato nel 1979 a Venezia dalla collaborazione tra un gruppo di musicisti ed il compositore Claudio Ambrosini, L’Ex Novo Ensemble rappresenta ormai una realtà di riferimento nel panorama internazionale della musica nuova. La continuità del lavoro comune, la coerenza artistica e professionale hanno consentito al gruppo di acquisire un carattere, un “suono” che gli sono riconosciuti dal pubblico e dalla critica dei principali festival e rassegne europei. L’impegno portato nell’approfondimento del linguaggio musicale contemporaneo è in seguito divenuto punto di partenza per la rilettura del repertorio classico e particolarmente d’alcune pagine affascinanti, destinate ad organici rari e tuttora poco note. Da mettere in rilievo le molte prime esecuzioni assolute di lavori dedicati all’Ex Novo Ensemble, presentati al pubblico anche attraverso la registrazione di produzioni e concerti per le maggiori radio europee. Significativo infine il contributo alla diffusione della musica da camera del Novecento storico italiano testimoniato dalla prolungata collaborazione con importanti case discografiche.

Sandro Cappelletto
è nato a Venezia. Scrittore e storico della musica, ha pubblicato, tra l’altro, una biografia di Beethoven (Newton Compton 1986), un’analisi della Turandot (Gremese 1988), la prima biografia critica di Farinelli (La voce perduta, EDT 1995), un’inchiesta sugli Enti Lirici (Farò grande questo teatro!, EDT 1996) e il saggio Inventare la scena per la Storia del Teatro (Einaudi 2001). Autore di testi teatrali e per il teatro musicale, di programmi radiofonici e televisivi, è accademico dell’Accademia Filarmonica Romana e fa parte della commissione artistica della Scuola di Musica di Fiesole. Giornalista professionista, collabora con “La Stampa” e “Le Monde”.

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Prova Aperta

I Virtuosi Italiani

con la violinista di Hong Kong Hannah Wan Ching Tam

Igor Stravinskij (1882 – 1971)

HISTOIRE DU SOLDAT

Versione integrale semiscenica con danza

Camerata strumentale “EptaFoné”

Constantin Beschieru, violino

Salvatore Passalacqua, clarinetto

Cristian Crevena, fagotto

Marco Braito, tromba

Devid Ceste, trombone

Vincenzo Venneri, contrabbasso

Carmelo Gullotto, precussioni

– Complesso da Camera – , strumentisti dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai

Sara Elisabetta Dal Bianco, ballerina

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Camerata strumentale “EptaFoné”[/custom_font]

VENTI DI CAMBIAMENTO

GLI INCOGNITI
AMANDINE BEYER maestro di concerto al violino

F. X. Richter  Sinfonia I in Sib Maggiore dalle “Sei grandi Sinfonie” ca. 1744
Allegro assai – Andante – Presto 

C. P. E. Bach Sinfonia V in Si minore H. 661 1773
Allegretto – Larghetto – Presto 

F. J. Haydn Concerto per violino in Sol Maggiore HVIIa no 4 ca. 1769
Allegro Moderato – Adagio – Allegro
solista Amandine Beyer

____________

C. P. E. Bach Concerto per clavicembalo in la minore H. 432
Allegro assai – Andante – Allegro assai
solista Anna Fontana

C. P. E. Bach Sinfonia I in Sol Maggiore H. 657 1773
Allegro di molto – Poco adagio – Presto

In questo concerto potremo apprezzare i primi elementi del romanticismo. Iniziano da qui i primi “venti di cambiamento” che ci condurranno dal classicismo allo “sturm und drang”. Beethoven ammirò e stimò profondamente il genio degli autori di questo periodo come F. J. Haydn, C. P. E. Bach, di cui ascolteremo due tra le sue sinfonie. Lucide nello stile, delicate e morbide nell’espressione, in esse si denota libertà e varietà nella struttura. Questi stilemi verranno poi maggiormente sviluppati dai grandi maestri della Scuola Viennese.

Un esempio illuminante di questo specifico modo di comporre di Haydn si può riscontrare nel Concerto in sol maggiore scritto intorno al 1769. Al di là della freschezza e della varietà dell’invenzione musicale, questo brano rivela nell’autore una spiccata vocazione per la melodia, sorretta da una ben costruita elaborazione tematica nella triplice disposizione dei tempi, di classico impianto formale. Una impostazione del discorso strumentale non più rigidamente settecentesca e accademica, tanto che ad essa guardò con curiosità e ammirazione lo stesso Beethoven, che in più occasioni tenne presente il modello haydniano.

Amandine Beyer
È nata nel 1974 e affronta lo studio del violino a soli sette anni sotto la guida di Aurelia Spadaro presso il conservatorio Darius Milhaud. A 15 anni è ammessa al Conservatoire Supérieur di Parigi, ottenendo nel 1994 il primo premio nella classe di violino. Parallelamente si dedica allo studio della musicologia, ottenendo la laurea presso l’Università di Aix-en-Provence. Nel 1995 prosegue i propri studi alla Schola Cantorum Basiliensis, nella classe di violino barocco di Chiara Banchini e, quattro anni più tardi, consegue il Solisten-diplom.
Come solista ha tenuto concerti in tutta Europa, suonando con Mala Punica, Concerto Vocale, la Capella Reial de Catalunya, La Petite Bande… e con il proprio gruppo, L’Assemblée des Honnestes Curieux, con il quale ottiene il primo premio e il premio speciale della giuria nel concorso di Rovereto del 1998.
Ha inciso con il suo Ensemble per Erato, Harmonia Mundi France, Opus 111, Alpha and Ricercar. Nel marzo del 2001 ottiene il primo premio nella Vivaldi-Competition di Torino; ha recentemente inciso i concerti per violino di Vivaldi, che saranno presto editi da Opus 111-Naïve. E’ docente di violino barocco presso la Schola Cantorum Basiliensis.

Anna Fontana
Dopo gli studi in pianoforte e clavicembalo presso conservatori italiani, si è perfezionata in Olanda, conseguendo il Certificaat of Advanced Study presso il Koninklijk Conservatorium di L’Aia, e alla Schola Cantorum Basiliensis di Basilea, dove ha seguito i corsi di clavicembalo, musica da camera e basso continuo.  Ha ottenuto premi in Concorsi Nazionali e Internazionali di clavicembalo e musica da camera.
Svolge intensa attività concertistica in Italia e in tutta Europa come solista, in gruppi da camera e in formazioni orchestrali quali Ensemble Zefiro, Cappella Gabetta, Accademia Bizantina, Café Zimmermann, Ensemble Aurora, Ensemble Cantar Lontano, Academia Montis Regalis, partecipando ai più importanti festival internazionali di musica antica e producendosi in diverse tournée in America del Nord, America Latina e Asia.
Dal 2006 collabora stabilmente con l’Ensemble Gli Incogniti di Amandine Beyer, con il quale ha effettuato per la casa discografica Harmonia Mundi numerose registrazioni che hanno ottenuto importanti premi e riconoscimenti dalla critica discografica.
Nel 2014 ha collaborato ad un progetto dedicato alla musica di Monteverdi diretto da John Elliot Gardiner.
Ha inciso per le più importanti reti radiofoniche europee e per le case discografiche Deutsche Harmonia Mundi, Opus 111, Sony, Capriccio, Glossa, La Bottega Discantica, Agorà, Naxos, Arion, Zig Zag Territoires, Hyperion, Brillant Classic, Dynamic.
Attualmente si dedica ad approfondire la prassi esecutiva sui pianoforti storici, con particolare riguardo al repertorio pianistico a quattro mani, in duo con Attilio Cremonesi.

Gli Incogniti
Ensemble fondato da Amandine Beyer nel 2006, prende il suo nome dall’Accademia degli Incogniti di Venezia e di questo nome hanno incarnato lo spirito: “il gusto per lo sconosciuto su tutte le sue forme, la sperimentazione delle sonorità, la ricerca del repertorio, la riscoperta dei classici…”
All’interno degli Incogniti si ritrovano musicisti che si sono incontrati in molteplici progetti musicali nel corso degli ultimi anni e che provano gran piacere nel suonare e lavorare insieme. La loro principale ambizione è trasmettere una visione filologica e coerente delle opere che interpretano con la loro sensibilità e il loro gusto.
Incidono per Zig Zag e la prima uscita dedicata ai concerti per violino di J.S. Bach, ha avuto il riconoscimento “Choc du monde de la musique, 10 dè repertorie, Cd der monat”. Si sono esibiti in prestigiose sale concertistiche quali L’Opera de Monte Carlo, le Théâtre de la Ville (Paris), Festival Via Stellae (Espagne), Tage Alter Musik Regensburg (Allemagne), Festival de Sablé…
La pubblicazione del XII disco dedicato alle Stagioni di Antonio Vivaldi ha ottenuto critiche entusiastiche ed è stata riconosciuta come registrazione di riferimento di quest’opera. Ultimamente sono state incise opere dedicate a compositori meno conosciuti quali Nicola Matteis (2009) e Johann Rosenmüller (2010), contenenti molteplici opere in prima registrazione mondiale.

Violini
Alba Roca, Yoko Kawakubo, Flavio Losco, Domitilla Gilon, Germán Echeverri

Viole
Marta Páramo, Ottavia Rausa

Violoncelli
Marco Ceccato, Rebeca Ferri

Violone
Baldomero Barciela

Clavicembalo
Anna Fontana

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‑ recita riservata alle scuole ‑

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Bliss
Coreografia di Johan Inger
Musica di Keith Jarret

“Il punto di partenza di questo nuovo spettacolo è la musica del Köln Concert di Keith Jarrett, che, oltre che il sottoscritto, ha inspirato e toccato milioni di persone grazie al suo perfetto tempismo nell’attirare una generazione che si muoveva da una parte all’altra della propria vita.
Il mio compito, insieme a quello dei danzatori, è quello di raccontare come ci relazioniamo con questa musica iconica. Nel modo in cui incontriamo questa musica con gli occhi di oggi, è presente sia una sfida compositiva che emotiva.
Oggi mi è stato chiesto di dare un’idea di cosa sarà il mio lavoro, ma la verità dello spettacolo dovrà essere scoperta attraverso il mio incontro con i danzatori  e, insieme, dal nostro incontro con la musica del Köln Concert.
Quindi eccoci qui, tutti quanti, non importa quale sia la nostra esperienza. Siamo “principiante” l’uno nei confronti dell’altro e nei confronti della musica che darà voce a questo nuovo incontro”.

Words and Space
Coreografia di Jiří Pokorny
Musica barocca (G. F. Handel e altro)

“Words and Space” (Parole e Spazio) rappresenta la metafora di un dialogo intrapersonale: il corpo di un individuo all’interno di uno spazio nell’atto di cimentarsi in un “monodialogo”, un dialogo con il proprio io.
Le parole, nel loro libero fluire, possono unirsi a formare frasi di senso compiuto in una unità di tempo o rimanere isolate, si perdono e si ritrovano nella poesia del movimento. Intimità individuale e autorealizzazione sono i soli livelli in grado di condurci a una più profonda condizione di dialogo individuale. Questo tipo di comunicazione, che ha luogo all’interno del singolo o tra molti, rivela la vulnerabilità e l’autenticità di un istante nella prigione della nostra (stessa) libertà.
Lo scopo è quello di proiettare l’esperienza assolutamente personale degli interpreti la cui gioia ‒ e forse anche la loro fatica – sembra esistere nel presente di una bellezza “nuda” e di una realtà non violenta. “Words and space” proietta immagini in movimento di un dipinto o di un libro traboccante di storie fluttuanti, è un racconto personale, intimo e poetico.

Aterballetto

Compagnia di Balletto e Danza Contemporanea
Aterballetto è la principale Compagnia di produzione e distribuzione di spettacoli di danza in Italia e la prima realtà stabile al di fuori delle Fondazioni liriche. Nata nel 1979, preceduta dall’esperienza della Compagnia di Balletto dei Teatri dell’Emilia Romagna diretta da Vittorio Biagi, è formata da danzatori solisti in grado di affrontare tutti gli stili. Aterballetto gode di ampi riconoscimenti anche in campo internazionale.
Dopo Amedeo Amodio, che l’ha diretta per quasi 18 anni, e Mauro Bigonzetti direttore artistico dal 1997 al 2007 e Coreografo principale della Compagnia fino al 2012, dal 2008 la Direzione artistica è affidata a Cristina Bozzolini, già prima ballerina stabile del Maggio Musicale fiorentino.
Aterballetto ha oggi assunto il profilo di compagnia di balletto e danza contemporanea che ha come elemento fondante della propria identità artistica l’impegno a sostenere e sviluppare l’arte della coreografia e il linguaggio assoluto della danza, intesa come dinamica e forma nello spazio, incarnazione di risonanze espressive e estetiche, dialettica con la musica.
Questa vocazione si è maggiormente consolidata e le scelte artistiche sono state ulteriormente motivate dall’esigenza e curiosità di esplorare le diverse espressioni del linguaggio coreografico contemporaneo.
Nel corso della sua storia più recente tanti sono i coreografi italiani e internazionali che hanno collaborato con la compagnia: Mauro Bigonzetti, Jiri Kylian, William Forsythe, Ohad Naharin, Johan Inger, Andonis Foniadakis, Fabrizio Monteverde, Jacopo Godani, Eugenio Scigliano, Michele Di Stefano, Cristina Rizzo, Giuseppe Spota.

approfondisci sul web:

Aterballetto

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Il Carnevale degli animali

di C. Saint Saens

testi di E. Garilli

“Un bel giorno il Re Leone fu scambiato per caprone:

<É un caprone, è un caprone!>

indicava alle persone un bambino assai agitato,

fier d’aver indovinato…”

In questo Carnevale degli Animali il pubblico del Ristori sarà continuamente coinvolto, diventerà ruggito, chiocciare, ragliare e… attraverso la splendida partitura di Camille Saint Saens, sarà accompagnato ad assistere a una splendida parata, guidata dal Re Leone e dalla sua puntigliosa segretaria…

Interpreti:

Insieme musicale: Ensemble del Teatro Ristori

illustrazioni in presa diretta: Serena Abagnato,

attori: Alberto Bronzato e Enrica Compri,

danza e mimo: Giulia Carli

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RICHARD GALLIANO, fisarmonica
GUIDO RIMONDA, violino e concertatore CAMERATA DUCALE

programma

Johan Sebastian Bach (1685 – 1750) – Concerto in do miore per oboe, violino,  archi e basso continuo BWV 1060
(revisione e trascrizione per fisarmonica e archi di Richard Galliano)

Richard Galliano (1950) – Opale, Concerto per fisarmonica e orchestra d’archi

***

Carlos Gardel (1914 – 1935) – Por una cabeza

Richard Galliano – Melodicelli

Antonio Vivaldi (1678 – 1741) – Concerto in sol min. «L’Estate»,  per violino e archi RV 315
(revisione e trascrizione per fisarmonica e archi di Richard Galliano)

Astor Piazzolla (1921 – 1992) – Invierno Porteno

Astor Piazzola – Oblivion

Richard Galliano – Tango pour Claude

Richard Galliano – La Valse a Margaux

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

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ORCHESTRE DE CHAMBRE DE TOULOUSE
PAOLO TAGLIAMENTO violino
ANDRÉ BERNARD direttore

Claude Debussy
Sei Epigrafi Antiche, L 139

Camille Saint-Saëns
Il Carnevale degli Animali – Grande fantasia zoologica

Joseph Bologne, Le Chevalier de Saint-Georges
Concerto per violino in Sol Magg. Op.VIII No.9 – ARTARIA Editions

Georges Bizet
L’Arlésienne Suite n. 1 per orchestra

ANDRÉ BERNARD
Conosciuto in tutto il mondo come uno dei migliori trombettisti del suo tempo, si è esibito al fianco delle più prestigiose orchestre del mondo (Berliner e Wiener Symphoniker, New Japan Philharmonic, Leipzig Gewandhaus, Dresden Staatskapelle…) e nelle maggiori Sale concertistiche e Festival.
La sua carriera prestigiosa di solista gli ha dato la possibilità di seguire il lavoro dei più grandi direttori d’orchestra del nostro tempo.
Per l’affinità dimostrata verso il repertorio operistico, ha soprattutto sviluppato un ampio repertorio francese ed italiano: Bizet, Gounod, Massenet, Gluck, Poulenc, Delibes, Offenbach, Meyerbeer, Berlioz, Verdi, Bizet, Mozart, Bellini e  Puccini. Ha inoltre diretto numerosi Requiem (Mozart, Verdi e Cherubini), Messe, ed Oratori.
Ha registrato come direttore o solista, più di 20 dischi per Philips, C.B.S.,
Decca, Sony Classical. Sinfonie di Mozart, Beethoven, Brahms, un DVD con la Quarta Sinfonia e l’Overture Tragica di Brahms e molto repertorio italiano: Verdi, Puccini, Rossini.
È stato direttore principale dal 1982 al 1987 del New Symphony Orchestra of London e della London Chamber Orchestra, e Direttore Principale Ospite della Hungarian Symphony Orchestra, della Irish Chamber Orchestra Dublin, dell’Orchestra Sinfonica Abruzzese e della Janacék Philharmonic Orchestra.
Questo inizio stagione si è aperto con produzione de I Racconti di Hoffmann con la celebre soprano Inva Mula, la Petite Messe Solennelle di Rossini e lo
Stabat Mater di Pergolesi al Teatro di Marsiglia. Seguiranno un produzione con la Quinta Sinfonia di G. Mahler in Messico ed una con la Quinta Sinfonia di Tchaïkovski in Spagna.

PAOLO TAGLIAMENTO
Nato a Conegliano nel 1997 sceglie di suonare il violino a 7 anni diplomandosi all’età di 15 con 10 lode e menzione speciale al Conservatorio G. Verdi di Milano. È l’unico italiano in 35 anni di competizione ad aver vinto il Concorso Internazionale Premio Rodolfo Lipizer di Gorizia (2015).
In precedenza da studente si è affermato alla Rassegna Nazionale di Violino di Vittorio Veneto, al Concorso Violinistico Internazionale Andrea Postacchini di Fermo, al XXII concorso di esecuzione musicale della Società Umanitaria di Milano, alla XXVII Rassegna dei Migliori Diplomati dei Conservatori e Istituti Musicali d’Italia di Castrocaro Terme, al Premio Monte dei Paschi di Siena dell’Accademia Chigiana, al Premio Forziati come migliore allievo del Conservatorio di Milano.
Numerosi gli studi di perfezionamento in Italia e all’estero dove si è distinto nelle più famose istituzioni musicali.
In questi corsi ha avuto il privilegio della guida di eccellenti Maestri tra cui: Jurgen Kussmaul, Ilya Grubert, Pavel Berman, Salvatore Accardo, Nicolas Chumachenco, Shmuel Ashkenasi, Igor Petrushevski, Eduard Tadevosyan, Heime Müller.
Da due anni si perfeziona alla Escuela Superior de Música Reina Sofía di Madrid dove studia con Ana Chumachenco, con una borsa di studio gentilmente offerta da John Elkan – FIAT.
Già segnalato come giovane talento da Gioventù Musicale d’Italia ed European String Teachers Association Italia, è stato più volte chiamato a trasmissioni televisive sulle reti RAI partecipando inoltre ad importanti stagioni e festival (Bir Miftuh Festival Malta, Prosecco Festival, Serate Musicali Milano, Accademia Filarmonica Romana, Estivales de Musique en Médoc, e altri).
Nei molti concerti svolti in Italia, Europa e Asia, ha privilegiato l’attività da solista ricevendo l’apprezzamento del pubblico per la musicalità e l’interpretazione esibendosi con numerose orchestre tra cui recentemente con I Solisti di Mosca con la direzione del M° Yuri Bashmet.
Con il Cuarteto Händel de Puertos del Estado ha ottenuto il premio come miglior quartetto d’archi della Escuela Superior de Música Reina Sofía ritirato dalle mani della Regina Sofía di Spagna.
Suona un violino Pietro Rogeri del 1701 della Fondazione Pro Canale di Milano.

ORCHESTRE DE CHAMBRE DE TOULOUSE
Fondata nel 1953 da Louis Auriacombe, l’Orchestra da Camera di Tolosa si interessa a tutte le musiche, dal periodo barocco fino alla creazione contemporanea. Numerosi compositori hanno lavorato con essa per concerti e registrazioni, dedicandole opere specifiche.
Si esibisce regolarmente con i più grandi solisti, come Christophe Coin, Gautier Capuçon, Natalie Dessay, Michel Lethiec o David Kadouch per parlare solo della storia recente, e collabora con ensemble vocali come il Choeur des Éléments.
È l’invitata di numerosi festival sia in Francia (La Chaise-Dieu, La Vézère, Pablo Casals a Prades, Septembre Musical de l’Orne, Festival de Nouméa…) che all’estero (Giappone, Svezia, Svizzera, Spagna, Brasile, Argentina).
Dalla formazione da camera (11 musicisti) fino all’effettivo «Mozart», l’Orchestra da Camera di Tolosa si esibisce su tutti i continenti, e dà 170 concerti ogni anno, di cui 40 nell’ambito della sua stagione di abbonamento a Tolosa e Tournefeuille.
Sotto la direzione di Gilles Colliard, dal 2004, l’orchestra ha scelto di andare fino in fondo nella sua ricerca di autenticità proponendo concerti barocchi su strumenti antichi sotto l’etichetta Meslanges Royaux, ma anche concerti moderni con strumenti attuali, o anche programmi che riuniscono le due tipologie di strumenti.
Barocca per la sua esuberanza, per lo zampillare della sua creatività, per l’esecuzione su strumenti d’epoca, l’Orchestra da Camera di Tolosa è eminentemente contemporanea nel suo approccio alle interpretazioni e nel rapporto che stabilisce con il suo pubblico.
Chiese, centri culturali, scuole, università e talvolta anche fabbriche: l’Orchestra da Camera di Tolosa esce volentieri dai muri della sala da concerto tradizionale per andare incontro a ogni tipo di pubblico.
L’Orchestra ha festeggiato nel 2013 i suoi 60 anni di storia, che le hanno permesso di dare oltre 6500 concerti in 30 paesi diversi.

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Musica e Scuola

La Fusion – condivisione, esperimento, creazione

Uno dei generi più in voga negli anni ’70 che unisce jazz, rock e musica colta

Opere di Corea, Hancock, Perigeo, Metheny, Santana

Nicola Rossin (basso elettrico)
Davide Porcelli (chitarra elettrica)
Mattia Basi (batteria)
Stefano Freddi (pianoforte)
Andrea Pimazzoni (sax)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

Per partecipare alla lezione-concerto, le scuole dovranno scrivere all’indirizzo

[email protected]

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Musica e Scuola

La Fusion – condivisione, esperimento, creazione

Uno dei generi più in voga negli anni ’70 che unisce jazz, rock e musica colta

Opere di Corea, Hancock, Perigeo, Metheny, Santana

Nicola Rossin (basso elettrico)
Davide Porcelli (chitarra elettrica)
Mattia Basi (batteria)
Stefano Freddi (pianoforte)
Andrea Pimazzoni (sax)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

ingresso gratuito fino ad esaurimento posti

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Guarda il video

Giuliana Musso
Vicentina d’origine e udinese d’adozione, Giuliana Musso è attrice, ricercatrice e autrice, Premio della Critica 2005, è tra le maggiori esponenti del teatro di narrazione e d’indagine. Un teatro che si colloca al confine con il giornalismo d’inchiesta, tra l’indagine e la poesia, la denuncia e la comicità. Una poetica che caratterizza tutti i suoi lavori, dalla trilogia sui “fondamentali” della vita, Nati in casa, Sexmachine e Tanti Saluti (nascita, sesso e morte), a Indemoniate (su un caso di isteria collettiva alla fine dell’Ottocento), Dreams (sull’indebitamento) e La Base (sulla costruzione della base militare U.S.A. a Vicenza). Nel successivo La Fabbrica dei preti dà voce a chi ha vissuto nei seminari italiani prima del Concilio Vaticano II. Wonder Woman è un’indagine sul mondo contemporaneo fatto di stereotipi di genere, spreco di talenti, crisi della coppia e diritti mancati. Mio eroe è debuttato al Teatro Herberia di Rubiera il 27 ottobre 2016.

www.giulianamusso.it

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I SIMBOLISTI E I LORO PADRI 1
Margaryta Golovko pianoforte
Piero Rattalino relatore

– ATTENZIONE l’orario di inizio spettacolo è stato spostato alle ore 11.00 –

M. Ravel Pavane

M. Ravel Miroirs (nn.1, 2, 4, 5)

F. Liszt La vallee d’Obermann

F. Liszt Leggenda n.2
“San Francesco da Paola cammina sulle onde”

L’evento musicale vedrà la presenza di Piero Rattalino, il più autorevole storico e critico musicale italiano nel campo della letteratura e dell’interpretazione pianistica, a fianco della pianista Margaryta Golovko, impegnati nella presentazione al pubblico e nell’esecuzione di un programma con le più belle pagine di Maurice Ravel e di Franz Liszt.

Margaryta Golovko
Nasce a Kamenez-Podolsky (Ucraina). Inizia lo studio del pianoforte all’età di cinque anni. Nel 1997 entra alla Scuola Speciale di Musica di Kiev “M. V. Lysenko” (pianoforte – Prof. Boris Fedorov). Con il Prof. Fedorov prosegue gli studi dal 2004 al 2009 presso l’Accademia Musicale Nazionale dell’Ucraina P. I. Tchaikovsky (NMAU) fino al conseguimento del diploma. Dal 2009 fino al 2012 è tirocinante assistente presso l’NMAU del Prof. Boris Fedorov.
Dal 2011 studia presso l’Accademia Pianistica Internazionale ‘Incontri col Maestri’ a Imola (Italia) con il Prof. Piero Rattalino.
Nel 2006 partecipa alla Competizione Pianistica Internazionale ‘Città di Marsala’ a Marsala (Italia) vincendo il 3° Premio.
Al 30° Concorso Pianistico Internazionale Smetana di Pilsen (Repubblica Ceca) nel 2012 vince il 1° Premio e il Premio EMCY.
Nel 2012 riceve il 3° premio e il premio Bacau Orchestra al 1° Concorso Pianistico Internazionale ‘Città di Acquaviva delle Fonti’ (Italia).
Nel giugno 2014 vince il 1° premio al Concorso Pianistico Internazionale Midwest (Cedar Falls, Iowa – USA).
Margaryta Golovko si è esibita in sale da concerto in Ucraina e all’estero, in Francia (Parigi), Germania (Berlino), Italia (Bologna, Milano, Torino, Messina, Imola, Pordenone), Russia (Mosca, San Pietroburgo), Stati Uniti d’America (Cedar – Falls), Romania (Bacau). Ha inoltro suonato con l’Orchestra Sinfonica di Stato di Kiev, Pilsen Filarmonica Symphony Orchestra, Orchestra Sinfonica Giovanile ‘Helycon Symphony Orchestra’, Васаu Filarmonica Symphony Orchestra e Waterloo Symphony Orchestra.
Nel 2013 partecipa al 7° Festival Internazionale di Musica «MITO Settembre Musica» in Italia (Milano, Torin), dove si esibisce nelle Variazioni sul tema di Chopin op. 22 di Rachmainov.
Nel settembre 2014 prende parte all’8° Festival Internazionale di Musica «MITO Settembre Musica» in Italia (Milano, Torin), dove esegue un recital su musiche di Brahms.
Nel dicembre 2014 esegue un recital presso il Mariinsky Theatre-II (Prokofiev Hall) a San Pietroburgo durante l’8 Festival Pianistico Internazionale «Contemporary Piano Faces».
Registrazioni radiofoniche delle esibizioni di Margaryta sono state eseguite in Italia, Stati Uniti e Repubblica Ceca durante i concerti.
Nel 2015 incide un CD con musiche di Schumann e Brahms per l’etichetta “Blue Griffin Records” (USA).

Piero Rattalino
ha studiato il pianoforte con Guglielmo Antoniotti diplomandosi nel 1949 nel conservatorio di Parma con il massimo dei voti e la lode. Ha studiato la composizione con Luigi Perrachio diplomandosi nel 1953 nel conservatorio di Parma, e si è perfezionato in pianoforte con Marguerite Long a Parigi e con Carlo Vidusso a Milano.
Ha iniziato ad insegnare pianoforte nel 1954 nel conservatorio di Cagliari; ha poi insegnato nei conservatori di Trieste, Venezia, Parma, e dal 1964 al 1996 nel conservatorio di Milano. Attualmente insegna pianoforte nell’Accademia Pianistica Internazionale di Imola.
Ha svolto dapprima attività di compositore e di concertista. Successivamente si è dedicato alla critica e alla organizzazione della vita musicale. E’ stato direttore artistico della Istituzione Universitaria dei Concerti di Roma dal 1969 al 1971, del Teatro Comunale di Bologna dal 1971 al 1977, del Teatro Carlo Felice di Genova dal 1978 al 1980, del Teatro Regio di Torino dal 1981 al 1991, e dal 1994 al 2006 del Teatro Massimo “Bellini” di Catania. E’ stato inoltre consulente artistico del Festival Verdi di Parma e del Concorso Internazionale di Canto “Julian Gayarre” di Pamplona e, per trent’anni, del Festival Pianistico Internazionale “Arturo Benedetti Michelangeli” di Brescia e Bergamo.
Ha tenuto conferenze, cicli di trasmissioni radiofoniche e televisive, master class di pianoforte, è stato membro di giuria in concorsi internazionali quali il Van Cliburn di Forth Worth, il Busoni di Bolzano, il Mozart di Salisburgo, il Villa Lobos di San Paolo e quello di Hamamatsu, ha pubblicato saggi sulle più importanti riviste, ha diretto i periodici Musica-Università, Piano Time, Symphonia, ed è autore di una quarantina di monografie pubblicate da importanti editori.
Fra i suoi scritti sono da ricordare particolarmente “Storia del pianoforte”, “Da Clementi a Pollini”, “Pianisti e fortisti”, “La grandi scuole pianistiche”, “Piano Recital”, dodici monografie dedicate a grandi pianisti del passato (Paderewski, Busoni, Rachmaninov, Hofmann, Backhaus, Rubinstein, Arrau, Horowitz, Richter, Benedetti Michelangeli, Gulda, Gould), il “Manuale tecnico del pianista concertista” e la “Storia dell’interpretazione pianistica”. Nel novembre del 2009 ha pubblicato presso Laterza il romanzo “Chopin racconta Chopin”.
Per lo svolgimento di una parte delle lezioni il maestro Piero Rattalino si avvale della collaborazione di Ilia Kim come assistente.

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LA VEDOVA ALLEGRA

musica di Franz Lehár

Orchestra “Cantieri d’Arte” direttore Stefano Giaroli

Ensemble Vocale Continuum, maestro del Coro Luigi Azzolini

Corpo di Ballo Novecento, coreografie Salvatore Loritto

scene e costumi Artemio Cabassi

realizzati da ArteScenica Reggio Emilia 

regia Alessandro Brachetti

produzione: Compagnia Teatro Musica Novecento

La vedova allegra è il più amato titolo della storia dell’operetta dal suo debutto a Vienna nel 1905. Nell’ininterrotto favore del pubblico ha attraversato un secolo di cambiamenti profondi ed è a tutt’oggi uno dei titoli più rappresentati nei teatri di tutto il mondo.

Nella Parigi di inizio Novecento, all’ambasciata del Pontevedro-un minuscolo e fantomatico stati mitteleuropeo- si dipana la storia d’amore fra il conte DANILO DANILOVICH e HANNA GLAVARI, ricca e giovane vedova del banchiere di corte, ambita da uno stuolo di pretendenti francesi. Intrighi, amori e tradimenti fanno da contorno alla vicenda, resa irresistibile dalla presenza dell’improbabile cancelliere d’ambasciata NIEGUS.

La mano felice di Franz Léhar ci conduce al lieto fine alternando Valzer (Tace il Labbro, Le Sirene del Ballo), Arie (Vo’ da Maxim’s, La Vilja), Marce (E’ scabroso le donne studiar) e scatenati Can Can, in un’atmosfera di sogno e divertimento che fanno de “La Vedova Allegra” un capolavoro assoluto e la Regina tra le operette.

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VINODENTRO

Paolo Fresu tromba, flicorno, effetti

Daniele Di Bonaventura bandoneon, effetti

I Virtuosi Italiani

“Vinodentro” nasce come colonna sonora dell’omonimo film di Ferdinando Vicentini Orgnani. Ispirato dal romanzo del bolzanino Fabio Marcotto, il film mette sapientemente insieme il mito del Faust e la passione per il vino; il protagonista è un uomo onesto che diviene ambizioso e senza scrupoli pur di reinventarsi nel mondo enoico, per poi ritrovarsi invischiato in un’accusa di omicidio. Il cast è formato da Vincenzo Amato, Giovanna Mezzogiorno, Lambert Wilson, Daniela Virgilio e Pietro Sermonti.

Questo lavoro ha il pregio di non imitare alcun grande compositore di colonne sonore, perché cadere in tale trappola era facile, anche per Fresu. Qui si legge tutta la sincera appartenenza del trombettista a un lavoro che, probabilmente, va ben oltre la trama del film. Fresu firma quattordici brani su sedici: gli altri due “Fin ch’an dal vino” e “Madamina, il catalogo è questo” recano il regale sigillo di Wolfgang Amadeus Mozart; poi c’è “Fermo” cofirmata con Daniele Di Bonaventura. Il filo rosso che Fresu lega e regala al cinema è ricco di trame eleganti, avvincenti, bagnate di romantiche note (“Calmo“); dialogiche e seminate di passione come nell’onomantica “Martango“, in tre takes: la prima con Di Bonaventura che fa da contraltare ritmico all’illuminante ensemble I Virtuosi italiani e Fresu che svolazza deciso e sornione con anche i suoi effetti elettronici. La seconda versione è più cameristica e se la giocano alla pari tromba e bandoneon. La terna si chiude con Di Bonaventura solo soletto che gioca nei colori e nelle pieghe della melodia.

La forza narrativa arriva da ogni meandro: negli archi, tempestosi (“Mosso“) o quieti, sottotraccia. Nella tromba e flicorno di Fresu che ricama, conduce e infiocchetta anche lì dove il suo passaggio è lieve, impercettibile; nei giochi a fior d’acqua dell’elettronica che è maneggiata con acume dallo stesso autore e da Michele Rabbia, che si distingue per quella superiore discrezione da cesellatore che ben pochi hanno. E Di Bonaventura, sempre più autentico e personale nel maneggiare il bandoneon.

Una colonna sonora, magari anche per la vita di chi si vuole bene.

approfondisci sul web:

Paolo Fresu

Daniele Di Bonaventura

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PROGRAMMA

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) – Trio per archi e pianoforte n. 2 in sol maggiore, op. 1 n. 2

***

Ludwig van Beethoven  – Trio per archi e pianoforte n. 6 in mi bemolle maggiore, op. 70 n. 2

Hèsperos Piano Trio
Filippo Lama, violino
Stefano Guarino, violoncello
Riccardo Zadra, pianoforte

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

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Musica e Scuola

Il coro: una macchina del tempo

Come nasce, funziona, canta, si dirige un coro. Un percorso storico dal Medioevo a oggi

Opere di Des Pres, Lasso, Bach, Mendelssohn, Britten, Lanaro, Negramaro

Cecilia Rizzetto, Sara Volpato, Alexandra Gal, Cristina Zanella, Federico Bassetto, Simone Niboli, Alessandro Vandin, Gianmarco Scalici (coro)

Marco Simeoni (direttore)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

Per partecipare alla lezione-concerto, le scuole dovranno scrivere all’indirizzo

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Musica e Scuola

Il coro: una macchina del tempo

Come nasce, funziona, canta, si dirige un coro. Un percorso storico dal Medioevo a oggi

Opere di Des Pres, Lasso, Bach, Mendelssohn, Britten, Lanaro, Negramaro

Cecilia Rizzetto, Sara Volpato, Alexandra Gal, Cristina Zanella, Federico Bassetto, Simone Niboli, Alessandro Vandin, Gianmarco Scalici (coro)

Marco Simeoni (direttore)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

ingresso gratuito fino ad esaurimento posti

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ORCHESTRA I POMERIGGI MUSICALI DI MILANO
NICOLAS ALTSTAEDT violoncello e direttore
F. J. Haydn – Concerto per violoncello n. 1 in do maggiore Hob.VIIb:1
F. Schubert – Sinfonia n. 9 in do maggiore D 944 “La Grande”

Orchestra I Pomeriggi Musicali
27 novembre 1945, ore 17.30: al Teatro Nuovo di Milano debutta l’Orchestra I Pomeriggi Musicali. In programma Mozart e Beethoven accostati a Stravinskij e Prokov’ev. Nell’immediato dopoguerra, nel pieno fervore della ricostruzione, l’impresario teatrale Remigio Paone e il critico musicale Ferdinando Ballo lanciano la nuova formazione con un progetto di straordinaria attualità: dare alla città un’orchestra da camera con un solido repertorio classico ed una specifica vocazione alla contemporaneità. Il successo è immediato e l’Orchestra contribuisce notevolmente alla divulgazione popolare in Italia della musica dei grandi del Novecento censurati durante la dittatura fascista: Stravinskij, Hindemith, Webern, Berg, Poulenc, Honegger, Copland, Yves, Françaix. I Pomeriggi Musicali avviano, inoltre, una tenace attività di commissione musicale. Per I Pomeriggi compongono infatti Casella, Dallapiccola, Ghedini, Gian Francesco Malipiero, Pizzetti, Respighi. Questa scelta programmatica si consolida nel rapporto con i compositori delle leve successive: Berio, Bussotti, Luciano Chailly, Clementi, Donatoni, Hazon, Maderna, Mannino, Manzoni, Margola, Pennisi, Testi, Tutino, Panni, Fedele, Francesconi, Vacchi. Oggi I Pomeriggi Musicali contano su un vastissimo repertorio che include i capolavori del Barocco, del Classicismo e del primo Romanticismo insieme alla gran parte della musica moderna e contemporanea. Compositori come Honegger e Hindemith, Pizzetti, Dallapiccola, Petrassi e Penderecki hanno diretto la loro musica sul podio de I Pomeriggi Musicali, che diventano trampolino di lancio verso la celebrità di tanti giovani artisti. È il caso di  Claudio Abbado, Leonard Bernstein, Rudolf Buchbinder, Pierre Boulez, Michele Campanella, Giuliano Carmignola, Aldo Ceccato, Sergiu Celibidache, Riccardo Chailly, Daniele Gatti, Gianandrea Gavazzeni, Carlo Maria Giulini, Vittorio Gui, Natalia Gutman, Angela Hewitt, Leonidas Kavakos, Alexander Lonquich, Igor Markevitch, Zubin Mehta, Carl Melles, Riccardo Muti, Hermann Scherchen, Thomas Schippers, Christian Thielemann, Salvatore Accardo, Antonio Ballista, Arturo Benedetti Michelangeli, Bruno Canino, Dino Ciani, Severino Gazzelloni, Franco Gulli, Nikita Magaloff, Nathan Milstein, Massimo Quarta, Maurizio Pollini, Corrado Rovaris e Uto Ughi. Tra i Direttori stabili dell’Orchestra, ricordiamo Nino Sanzogno, il primo, Gianluigi Gelmetti, Giampiero Taverna e Othmar Maga, per arrivare ai milanesi Daniele Gatti, Antonello Manacorda e Aldo Ceccato, Direttore Emerito dell’Orchestra. In alcuni casi, la direzione musicale è stata affiancata da una direzione artistica; in questa veste: Italo Gomez, Carlo Majer, Marcello Panni, Marco Tutino, Gianni Tangucci, Ivan Fedele, Massimo Collarini e, da luglio 2013, Maurizio Salerno. L’Orchestra I Pomeriggi Musicali svolge la sua attività principalmente a Milano e nelle città lombarde, mentre in autunno contribuisce alle stagioni liriche dei Teatri di Bergamo, Brescia, Como, Cremona, Mantova, Pavia – all’interno del cartellone di Opera Lombardia – e alla stagione di balletto del Teatro alla Scala. Invitata nelle principali stagioni sinfoniche italiane, l’Orchestra è ospite anche delle maggiori sale da concerto europee. I Pomeriggi Musicali sono una Fondazione costituita dalla Regione Lombardia, dal Comune di Milano, dalla Provincia di Milano, e da enti privati, riconosciuta dallo Stato come istituzione concertistico-orchestrale e dalla Regione Lombardia come ente primario di produzione musicale. Sede dell’Orchestra I Pomeriggi Musicali è lo storico Teatro Dal Verme, sito nel cuore di Milano.

NICOLAS ALTSTAEDT violoncello e direttore
Nicolas Altstaedt, violoncellista di origini tedesche e francesi, è un musicista di grande versatilità che si trova ugualmente a proprio agio con repertorio antico, tradizionale o in opere di musica contemporanea. È stato uno degli ultimi allievi di Boris Pergamenschikow a Berlino, dove ha proseguito gli studi con Eberhard Feltz. Dopo aver vinto diversi concorsi internazionali e aver ricevuto nel 2009 il Borletti Buitoni Trust Fellowship, nel 2010 si è aggiudicato il prestigioso premio Credit Suisse Young Artists, che gli ha inoltre consentito di esibirsi con la Filarmonica di Vienna diretta da Gustavo Dudamel al Festival di Lucerna. Nicolas Altstaedt è molto impegnato anche nella diffusione della musica contemporanea ed ha tenuto le prime esecuzioni di Concerti di Wolfgang Rihm, Georg Friedrich Haas, Nico Muhly – collabora inoltre con i compositori Sofia Gubaidulina, Thomas Ades, Bryce Dessner, Jörg Widmann, Matthias Pintscher e Fazil Say. Quest’ultimo gli ha dedicato la sua Sonata per violoncello mentre Sofia Gubaidulina sta scrivendo in questo periodo un triplo concerto per lui, Gidon Kremer ed Elsbeth Moser (bajan). Nicolas Altstaedt appare regolarmente al Festival Mozart ed al Festival estivo di Salisburgo, in aggiunta ai Festival di Verbier, Utrecht, Proms, Lucerna, Gstaad, Musikfest di Berlino, Schleswig-Holstein, Rheingau, Stavanger. Nicolas Altstaedt è stato inoltre nominato Direttore Artistico della Österreichisch-Ungarischen Haydn Philharmonie subentrando ad Adam Fischer nel 2014. Nel corso della stagione 2014/15 Nicolas Altstaedt è stato Artist in Residence al Festival di Zermatt diretto dai membri della Filarmonica di Berlino ed il primo Artist in Resonance al Musikkollegium di Winterthur. Nella stagione 2015/16 sarà in tour con la Sinfonica di Vienna, tornerà a suonare con le Orchestre della BBC, la SWR Stuttgart, l’Orchestra della Svizzera italiana e debutterà inoltre con la Sinfonica della Radio di Vienna e la Filarmonica di Rotterdam. In campo discografico Nicolas Altstaedt ha registrato i Concerti per violoncello di Joseph Haydn, György Ligeti e molti altri. Di prossima pubblicazione sono tutti i Concerti di C. Ph. Bach con Jonathan Cohen e l’ensemble Arcangelo per Hyperion, i Concerti di Šostakovič e Weinberg con Michal Nesterowicz e la DSO Berlin per ‘ Channel Classics e un recital con Fazil Say. Nicolas Altstaedt si esibisce su un violoncello Giulio Cesare Gigli realizzato a Roma intorno al 1770 e su un violoncello realizzato da Robert König (2012).

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Un artista del popolo? – dedicato a Dimitrij Sostakovic

– ATTENZIONE l’orario di inizio spettacolo è stato spostato alle ore 11.00 –

Sandro Cappelletto voce narrante e drammaturgia

Marco Scolastra pianoforte

Quartetto Savinio
Alberto Maria Ruta violino
Rossella Bertucci violino
Francesco Solombrino viola
Lorenzo Ceriani violoncello

DMITRIJ ŠOSTAKOVIC
Trio per violino, violoncello e pianoforte n. 2 in mi min. op. 67 in mi min. op. 67
Andante – Moderato; Allegro con brio; Largo; Allegretto

Quintetto in sol min. op. 57 per pianoforte e archi Preludio:
Lento – Poco piu mosso – Lento Fuga: Adagio; Scherzo: Allegretto; Intermezzo: Lento; Finale: Allegretto

La ricostruzione dei rapporti di Sostakovic con il regime sovietico.
tutto in prima persona, raccontato da lui. le paure, gli incubi, le rare dolcezze.
l’impossibilità per un artista di capire le logiche del potere.
la musica da camera come suo rifugio segreto.

Quartetto Savinio
Fondato a Napoli nel 2000 dai suoi quattro attuali componenti, grazie alle molte affermazioni in prestigiosi concorsi, il Savinio intraprende un’intensa attività in Italia e all’estero, Stati Uniti, Germania, Francia, Spagna, Turchia, Inghilterra, Brasile.
Formatosi alla Scuola di Musica di Fiesole sotto la guida di Piero Farulli e Andrea Nannoni, il quartetto ha avuto modo di avvalersi dei consigli di Brainin, Skampa, Beyerle, Berlinsky e di lavorare con i compositori Vacchi e Corghi.
È stato invitato ad esibirsi in quintetto con Michele Campanella al concerto-evento Telethon e ha tenuto una lunga tournèe nei Balcani.
Il quartetto ha inciso l’integrale dei Quartetti di Cherubini, premiata dalla stampa italiana come cd dell’Anno 2008, insignita del Premio del Disco di Classic Voice e del Premio 5 Stelle delle riviste Amadeus, Musica e Suonare News.
Recentissimo il nuovo cd Decca con i quintetti di Dvorak e Sostakovic già insignito del massimo punteggio dalla rivista Classic Voice.

Marco Scolastra
nato a Foligno, ha compiuto gli studi musicali presso il Conservatorio “Morlacchi” di Perugia diplomandosi con il massimo dei voti e la lode sotto la guida di Franco Fabiani. Ha studiato successivamente per alcuni anni con Aldo Ciccolini ed Ennio Pastorino ed ha frequentato corsi di perfezionamento con Lya De Barberiis, Paul Badura-Skoda, Dario De Rosa e – presso l’Accademia Chigiana di Siena – con Joaquin Achucarro e Katia Labèque.
Come solista, in formazioni cameristiche e con orchestra si è esibito per importanti istituzioni musicali italiane e straniere. Altri concerti in Giappone, Emirati Arabi, Germania, Messico, Albania (Teatro dell’Opera di Tirana).
Come solista ha suonato sotto la guida di importanti direttori d’orchestra quali Romano Gandolfi (Orchestra Sinfonica “Verdi” di Milano), Howard Griffits (Orchestra da Camera di Zurigo), Richard Hickox, Claudio Scimone (I Solisti Veneti), Lior Shambadal (Berliner Symphoniker).
Ha collaborato con grandi nomi della musica e del teatro quali Vadim Brodski, Renato Bruson, Sandro Cappelletto, Max René Cosotti, Roberto Fabbriciani, Arnoldo Foà, Raina Kabaivanska, Daniela Mazzucato, Marianna Pizzolato, Desirée Rancatore, Ugo Pagliai.
Sue esecuzioni e registrazioni sono state trasmesse da emittenti nazionali (Rai 2, Rai Radio 1 e Rai Radio 3, Filodiffusione Canale 5) e estere (Radio Klara, Belgio).
Ha registrato per Phoenix Classics, Stradivarius e per Rai International.

Sandro Cappelletto
è nato a Venezia. Scrittore e storico della musica, ha pubblicato, tra l’altro, una biografia di Beethoven (Newton Compton 1986), un’analisi della Turandot (Gremese 1988), la prima biografia critica di Farinelli (La voce perduta, EDT 1995), un’inchiesta sugli Enti Lirici (Farò grande questo teatro!, EDT 1996) e il saggio Inventare la scena per la Storia del Teatro (Einaudi 2001). Autore di testi teatrali e per il teatro musicale, di programmi radiofonici e televisivi, è accademico dell’Accademia Filarmonica Romana e fa parte della commissione artistica della Scuola di Musica di Fiesole. Giornalista professionista, collabora con “La Stampa” e “Le Monde”.

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Musica e Scuola

Alla scoperta del jazz

Un percorso attraverso la storia del jazz dagli inizi fino agli anni ‘30

Opere di Davis, Ellington, King Cole, Monk

Andrea Marano (chitarra)
Caterina Bonafè (canto)
Alberto Falsina (batteria)
Pietro Montanti (clarinetto)
Mario Filippini (contrabbasso)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

Per partecipare alla lezione-concerto, le scuole dovranno scrivere all’indirizzo

[email protected]

Musica e Scuola

Alla scoperta del jazz

Un percorso attraverso la storia del jazz dagli inizi fino agli anni ‘30

Opere di Davis, Ellington, King Cole, Monk

Andrea Marano (chitarra)
Caterina Bonafè (canto)
Alberto Falsina (batteria)
Pietro Montanti (clarinetto)
Mario Filippini (contrabbasso)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

ingresso gratuito fino ad esaurimento posti

Deflorian/Tagliarini

REALITY

di e con Daria Deflorian e Antonio Tagliarini

a partire dal reportage Reality di Mariusz Szczygieł

produzione A.D., Festival Inequilibrio/Armunia, ZTL-Pro

Realtà, reality senza show, senza pubblico. Essere anonimi e unici, speciali e banali. Avere il quotidiano come orizzonte. Come Janina Turek, donna polacca che per oltre cinquant’anni ha annotato minuziosamente su 748 quaderni “i dati” della sua vita: quante telefonate a casa aveva ricevuto e chi aveva chiamato (38.196), dove e chi aveva incontrato per caso e salutato con un buongiorno (23.397), quanti appuntamenti aveva fissato (1.922), quanti regali aveva fatto, a chi e di che genere (5.817), quante volte aveva giocato a domino (19), quante volte era andata a teatro (110), quanti programmi televisivi aveva visto (70.042). Gesti quotidiani, azioni fatte non per lasciare un ricordo, ma per necessità, sullo sfondo dell’ Est-Europa prima e dopo la caduta del Muro.

www.defloriantagliarini.eu

CHAPLIN IN JAZZ

Musiche e video concept di Mauro Campobasso & Mauro Manzoni

programma

Il vagabondo (film 1916)

***

Frammenti, immagini e pensieri dal cinema di Chaplin.

La strada della paura (film 1917)

Mauro Manzoni,  sassofoni, clarinetto, flauto e percussioni

Mauro Campobasso, chitarra, live electronics

Walter Paoli, batteria, live electronic

maggiori informazioni sul sito dell’organizzatore
Società Amici della Musica Verona

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Chaplin – scena del fil Il Vagabondo[/custom_font]

Tinotino Tinotina Tinotini, un’orchestra di materiali

Testi di Elisabetta Garilli e Emanuela Bussolati, musiche di Elisabetta Garilli

Un intraprendente bambino comunica ai genitori i suoi piani per il futuro: <potresti anche fare l’idraulico!> suggerisce la mamma; <…e perché non il falegname!>, il papà… <Macchè! Io farò… il percussionista!>

Con Tinotino Tinotina Tinotini e le illustrazioni di Manuela Bussolati, Premio Andersen 2013, artista di grande levatura e capacità comunicativa, Ristori Educational accompagna i bambini più piccoli alla comprensione di come la scoperta del suono possa far nascere istantaneamente un insieme musicale. Questo insieme richiede ascolto e integrazione così come gioia e creatività.

Interpreti:

Insieme musicale Garilli Sound Project, diretto da Elisabetta Garilli,

illustrazioni in tempo reale: Emanuela Bussolati,

voce narrante: Enrica Compri

– recita riservata alle scuole –

Musica e Scuola

Danze dall’ovest e dall’est

La musica legata al ballo in Russia, Ungheria e Spagna

Opere di Dvorak, Brahms, Rachmaninov, de Falla

Davide Pigozzi e Marta Espejo (pianoforte a 4 mani)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

Per partecipare alla lezione-concerto, le scuole dovranno scrivere all’indirizzo

[email protected]

Musica e Scuola

Danze dall’ovest e dall’est

La musica legata al ballo in Russia, Ungheria e Spagna

Opere di Dvorak, Brahms, Rachmaninov, de Falla

Davide Pigozzi e Marta Espejo (pianoforte a 4 mani)

In collaborazione con il  Conservatorio “E. F. Dall’Abaco” di Verona

ingresso gratuito fino ad esaurimento posti

FRANK PETER ZIMMERMANN violino e direttore

ACCADEMIA D’ARCHI BOLZANO

J. S. Bach – Concerto Brandenburghese no. 3 in sol maggiore BWV 1048
J. S. Bach – Concerto per violino archi e continuo in la minore BWV 1041
J. S. Bach – Concerto per violino archi e continuo in mi maggiore BWV 1042
J. S. Bach – Concerto per 2 violini archi e continuo in re minore BWV 1060
J. S. Bach – Concerto per violino archi e continuo in re minore (ricostruzione ) BWV 1052

ACCADEMIA D’ARCHI BOLZANO
L’Accademia d’Archi Bolzano (Streicher Akademie Bozen) è stata creata dal Südtiroler Musikverein nel 1987, sotto la direzione artistica di Georg Egger. È composta prevalentemente da musicisti sudtirolesi con ampia esperienza orchestrale e cameristica cimentata in importanti complessi, sia nazionali che esteri, trapassando la loro profonda esperienza alle nuove leve della musica.
Per la maggior parte l’Accademia d’Archi suona senza direttore. Alcuni musicisti sono al tempo stesso membri della Klassische Philharmonie di Stoccarda, ragione per cui si è sviluppata una collaborazione con il direttore Frieder Bernius.
Anche col pianista e direttore d’orchestra Andràs Schiff si sta svolgendo una stretta collaborazione che ha portato già a numerosi concerti con L’artista.
L’Accademia d’archi, oltre alla serie di concerti che esegue ogni anno in proprio, viene invitata regolarmente alla partecipazione ad altre manifestazioni musicali, quali la Mozartwoche di Salisburgo, le settimane musicali Gustav Mahler a Dobbiaco, quelle dell’Engadina e quelle ad Ascona.
Tra i numerosi solisti che hanno collaborato con l’Accademia d’Archi si possono citare Sergio Azzolini, Eduard Brunner, Giuliano Carmignola, Mirijam Contzen, Ingeborg Danz, Christian Gerhaher, Alexander Gilman,Viviane Hagner, Dietrich Henschel, Heinz Holliger, Diethelm Jonas, Louis Lortie, Antonio Meneses, Johannes Moser, Sabine e Wolfgang  Meyer, Thomas Quasthoff, Birgit Remmert, Sybilla Rubens, Andràs Schiff, Letitzia Scherrer, Wen-Sinn Yang, Ruth Ziesak e Frank Peter Zimmermann.
L’accademia ha collaborato con direttori come Hansjörg Albrecht, Frieder Bernius, Daniel Beyer, Jörg Faerber, Helmuth Rilling, Ola Rudner, Andras Schiff e Kaspar Zehnder.
Il repertorio dell’Accademia d’Archi spazia da Bach, Händel, Zelenka a Schubert- Mahler „La morte e la fanciulla“, Mendelssohn, Britten, Bartok, Stravinskij, Schönberg, Schnebel e Stuppner.
L’Accademia d’Archi Bolzano ha inciso diversi Cd con musiche di Ph.E. Bach, Mozart, Rossini, Stuppner, Boccherini, Schönberg, Strauss.

[custom_font  font_size=’11’ line_height=’26’ font_style=’none’ text_align=’left’ font_weight=’300′ color=” background_color=” text_decoration=’none’ text_shadow=’no’ padding=’0px’ margin=’0px’]foto / crediti: nella foto Frank Peter Zimmermann / foto di Klaus Rudolph[/custom_font]

Musica e Scuola

Amor vincit omnia

“Amore” in letteratura, arte figurativa e musica nel Barocco

Opere di Strozzi, Vivaldi, Haendel, Hasse, Monteverdi, Frescobaldi

Ester Prestia (flauto traversiere)
Cecilia Rizzetto (canto)
Antonio De Luigi (tiorba)
Anna Camporini (violoncello)
Daria Kubik (clavicembalo)