XXIII STAGIONE CONCERTISTICA
AUTUNNO

J. S. Bach
Sonata in si minore per Flauto e Pianoforte BWV 1030 in si minore
Andante -Largo e dolce – Presto (Fuga)

J. S. Bach
Partita n. 1 in Si Bemolle Maggiore per Pianoforte Solo BWV. 825
Preludio – Allemanda-Corrente-Sarabanda-Minuetto1 –  Minuetto 2-Giga

J. S. Bach
Trio Sonata in Sol Maggiore per Flauto, Violino e  Pianoforte BWV 1039
Adagio  – Allegro ma non presto  – Adagio e piano – Presto

J. S. Bach
Sonata n. 6 in Sol maggiore per Violino e Piano BWV 1019
Allegro – Largo-Allegro-Adagio-Allegro

J. S. Bach
Trio Sonata dall’Offerta musicale per Flauto, Violino e  Pianoforte BWV  1079
Largo – Allegro – Andante – Allegro

Miguel Angel Zotto, un’icona del tango nel mondo, e Daiana Guspero della COMPAGNIA TANGO X 2 saranno protagonisti di questa cena spettacolo sulle note dell’ensemble Tango Spleen.
L’immediatezza del linguaggio musicale, semplice ma non scontato, attuale e autentico, della formazione, accompagna sapientemente i passi di tango passionali e sensibili al tempo stesso, di una delle coppie punto di riferimento di questo genere a livello internazionale.

Una delle voci più intense e suggestive del panorama musicale italiano, al Teatro Ristori per un’esclusiva cena spettacolo

La musica del gruppo “Sjuwana and the Ladies of Alabama” è radicata, tradizionale e grintosa, proprio come i gruppi degli anni ’50 tra cui The Caravans e le famose Davis Sisters.
Una cena spettacolo, insomma, che ci accompagna in un’altra epoca. 

“Sul Bel Danubio Blu”
Musica J.Strauss
Coreografia S. Bosco
Marta Orsi, Alessandro Torrielli

“Il Lago dei Cigni”
Musica P. I. Ciajkovsky
Coreografia M. Petipa
Valerie Ferazzino, Alessandro Bonavita

“Carmen”
Musica G. Bizet
Coreografia S. Bosco
Elisabetta Formento, Federico Mella

‘Harlequinade”
Musica R. Drigo
Coreografia M. Petipa
Marta Orsi, Alessandro Torrielli

“Spring Waters”
Musica S. Rachmaninov
Coreografia A. Messerer
Valerie Ferazzino, Alessandro Bonavita

“Quiet of Love”
Musica R. Addinsell
Coreografia S. Bosco
Elisabetta Formento, Federico Mella

“The Golden Age Tango”
Musica D. Shostakovich
Coreografia Y. Grigorovich
Valerie Ferazzino, Alessandro Bonavita

“My Way”
Musica F. Sinatra
Coreografia S. Bosco
Federico Mella

“Finale – “Voci di Primavera”
Musica J.Strauss
Tutti gli artisti

1810: il piccolo spazzacamino Sam, un bambino abbandonato da genitori troppo poveri, è sfruttato da Black Bob e dal suo assistente Clem, che si apprestano a farlo salire sul comignolo dell’asilo di Iken Hall, nel Suffolk.
Mentre gli altri bambini giocano, Sam, in difficoltà, invoca aiuto e viene soccorso dai piccoli ospiti dell’asilo di Iken Hall. Il piccolo spazzacamino viene nascosto dentro l’armadio dei giocattoli e accudito fino al mattino successivo, quando, chiuso in una valigia, potrà uscire dall’asilo per andare in vacanza insieme alla bambinaia e agli altri bambini.

Creato nel 1997 e messo in scena con regolarità nel corso di oltre 15 anni, l’allestimento del Piccolo spazzacamino è fra i più indovinati che il Teatro Comunale di Modena abbia dedicato al pubblico di giovani e ragazzi. Questa produzione dello spettacolo, i cui interpreti sono allievi dei corsi Voci Bianche e Alta Formazione del Teatro Comunale di Modena, raccoglie i frutti del progetto Modena Città del Belcanto volto a unire formazione dei giovani cantanti e produzione lirica.

1810: il piccolo spazzacamino Sam, un bambino abbandonato da genitori troppo poveri, è sfruttato da Black Bob e dal suo assistente Clem, che si apprestano a farlo salire sul comignolo dell’asilo di Iken Hall, nel Suffolk.
Mentre gli altri bambini giocano, Sam, in difficoltà, invoca aiuto e viene soccorso dai piccoli ospiti dell’asilo di Iken Hall. Il piccolo spazzacamino viene nascosto dentro l’armadio dei giocattoli e accudito fino al mattino successivo, quando, chiuso in una valigia, potrà uscire dall’asilo per andare in vacanza insieme alla bambinaia e agli altri bambini.

Creato nel 1997 e messo in scena con regolarità nel corso di oltre 15 anni, l’allestimento del Piccolo spazzacamino è fra i più indovinati che il Teatro Comunale di Modena abbia dedicato al pubblico di giovani e ragazzi. Questa produzione dello spettacolo, i cui interpreti sono allievi dei corsi Voci Bianche e Alta Formazione del Teatro Comunale di Modena, raccoglie i frutti del progetto Modena Città del Belcanto volto a unire formazione dei giovani cantanti e produzione lirica.

“La circostanza della genesi di quest’opera desta una fortissima commozione. Ho cercato di mantenere una
stretta connessione con la struttura originale della composizione e con le fonti bibliche che hanno ispirato
Messiaen. Il mio intento è quello di tracciare il più possibile il parallelo tra l’ispirazione della partitura
musicale e la mia coreografia, che si nutre di un lavoro di ricerca con i danzatori del Nuovo Balletto di
Toscana, di quella fisicità e quel dinamismo che rende riconoscibile il mio linguaggio.
Spero che il potere dell’immaginazione e della creatività, insieme all’instancabile ricerca, possa fortificare
e animare l’unicità e la potenza di questo capolavoro”. Mario Bermúdez Gil

“La circostanza della genesi di quest’opera desta una fortissima commozione. Ho cercato di mantenere una
stretta connessione con la struttura originale della composizione e con le fonti bibliche che hanno ispirato
Messiaen. Il mio intento è quello di tracciare il più possibile il parallelo tra l’ispirazione della partitura
musicale e la mia coreografia, che si nutre di un lavoro di ricerca con i danzatori del Nuovo Balletto di
Toscana, di quella fisicità e quel dinamismo che rende riconoscibile il mio linguaggio.
Spero che il potere dell’immaginazione e della creatività, insieme all’instancabile ricerca, possa fortificare
e animare l’unicità e la potenza di questo capolavoro”. Mario Bermúdez Gil

Una nuova produzione di MM Contemporary Dance Company per il Teatro Ristori che trae ispirazione dal genio di Bach: attraverso il suono del pianoforte elaborato in tempo reale dalle macchine di Taketo Gohara, Cesare Picco disegna un possibile nuovo prossimo futuro, con il desiderio di riconnettersi con quelle voci e quegli “spiriti” che il genio di Bach ha donato al mondo. La coreografia di Camilla Monga è concepita come un varco temporale, dove qualsiasi cambiamento o evoluzione riconduce sempre al punto di partenza e il corpo sembra essere imprigionato in un eterno presente. Danza e musica si uniscono in un rapporto di reciproca amplificazione da cui può svilupparsi un immaginario in costante evoluzione e cambiamento.

A seguire, un’opera astratta, non narrativa, come Brutal Love Poems, in cui la risonanza dei movimenti echeggia e si combina per formare un tutto, cercando di intrattenere, provocare e sedurre.

“Ti amo così tanto da star male. Spero che anche tu soffra quanto me …”

Crudo e dinamico, Brutal Love Poems esplora il lato “selvaggio” che nascondiamo dentro di noi e che si rivela solo nei momenti più intimi. In qualche modo questa rivelazione, del nostro essere più primordiale, terribile e brutale, si manifesta forse sempre e solo davanti a chi è più vicino a noi, alla persona che amiamo.

Un’opera astratta, non narrativa, in cui la risonanza dei movimenti echeggia e si combina per formare un tutto, cercando di intrattenere, provocare e sedurre.

Presto online tutti i dettagli del concerto inaugurale della prima edizione del Baroque Festival

Terza creazione della compagnia fondata da Vincent Dubé, Raphael Dubé, Yohann Trepanier, Ugo Dario e Maxim Laurin e dal polistrumentista Frédéric Lebrasseur, La Galerie ha debuttato nel 2019. Tutte le produzioni di Machine de Cirque si basano sui tre pilastri: ingegnosità, musica dal vivo performativa e teatrale e ovviamente il circo.
La “mission” della compagnia è quella di riunire i vari attori dell’arte e della tecnologia con il circo in ogni singola creazione, concentrandosi sull’eccellenza produttiva e lo sviluppo del proprio team.

Per tutto il corso del diciottesimo secolo, il mandolino godette di una certa fortuna come strumento solistico, e vide fiorire una ricca letteratura a lui dedicata, comprendente concerti, sonate, pezzi solistici e duetti. In Italia, ebbe larghissima diffusione non solo a Napoli, ma anche nel Nord, dove si può dire che ogni città avesse un suo tipo particolare di mandolino. Anche nel resto dell’Europa, e in particolare a Parigi e Vienna, lo strumento visse una breve stagione di successo, testimoniata da una letteratura di buona qualità.
Dall’affascinante storia di questo strumento e dalla scoperta del suo utilizzo nelle Sonate scarlattiane, nasce l’idea di questo concerto con Dorina Frati e Daniele Roi.

Stabat Mater dolorosa….ma chi è quella donna che si accascia ai piedi della Croce? Chi è quella donna che piange la morte del proprio figlio esprimendo il dolore più grande e più profondo che un essere umano possa provare? Chi è quella donna che guarda al cielo con consapevole accettazione? Chi è davvero questa donna che Vivaldi ci racconta con tensione febbrile e pause mozzafiato? 
Forse quella donna siamo noi che viviamo lo spaesamento della nostra quotidianità?  O forse quella donna è solo una madre che piange per noi?
Viviamo un’epoca di cambiamento continuo, sempre alla ricerca di nuovi equilibri, di nuove certezze, in una realtà dove tutto si ridisegna, si mescola e si riscrive, alla ricerca di una coscienza, di un’immagine di “noi stessi” da poter proiettare nel futuro.
Portare sul palcoscenico l’umanità di questo tentativo è il nuovo progetto di Soqquadro Italiano.

In 50 Years il pubblico verrà giocosamente preso per mano e accompagnato in un viaggio fantastico e poetico attraverso gli sketch più amati della storia della compagnia. Prenderanno vita sul palco, grazie alla maestria e all’ironia dei cinque attori, personaggi leggendari come le maschere d’argilla, i volti realizzati con rotoli di carta igienica; non mancheranno i fragili giganti d’aria, l’uomo tubo e altre forme grottesche. Ma 50 Years non sarà solo memoria, porterà in scena anche numeri inediti popolati da forme estrose e personaggi bizzarri nel tipico stile Mummenschanz. Un programma senza parole né musica. Un itinerario fantastico e poetico che non ha bisogno di sottotitoli.

La Zefiro Orchestra nasce nel 1989 a Mantova grazie agli oboisti Alfredo Bernardini e Paolo Grazzi e al fagottista Alberto Grazzi, che formano un complesso variabile specializzato in quel repertorio del Settecento in cui i fiati hanno un ruolo di primo piano. In questi anni Zefiro è diventato un punto di riferimento, in ambito internazionale, per il repertorio di musica da camera del ‘700 e ‘800 con strumenti d’epoca.
I suoi fondatori sono considerati tra i più validi esecutori nell’ambito della musica antica e apprezzati solisti di famose orchestre. Accanto a loro i migliori strumentisti in campo europeo. Zefiro è presente nei principali festival europei di musica e con tournée in tutto il mondo.

The gypsy bands of the XVIII century

Il programma del concerto sarà composto da brani di Bach (Concerto brandeburghese n. 5, con Geneviève Blanchard al flauto, Shlomit Sivan al violino e Yizhar Karshon al clavicembalo come solisti), Händel (Concerto per oboe, con Shai Kribus come solista), e anche arie di Vivaldi e del meno noto compositore veneziano Giovanni Valentini, che saranno eseguite con il mezzosoprano Maya Amir.

Lo spettacolo nasce con l’intento di aprire una finestra storica sul periodo barocco: la musica del Seicento offre infiniti spunti narrativi e creativi proprio perché originata da un momento storico ricco di inventiva e di scoperte. È l’epoca dei corsari, dei galeoni, dei grandi viaggi alla ricerca di favolosi tesori nascosti. La musica, concepita dai grandi compositori per stupire l’animo, non ha tempo né età. Il racconto di Elisabetta Garilli attiva la curiosità dei bambini e accende l’interesse verso un periodo storico pieno di protagonisti ed eroi, artisti e avventurieri.

Lo spettacolo nasce con l’intento di aprire una finestra storica sul periodo barocco: la musica del Seicento offre infiniti spunti narrativi e creativi proprio perché originata da un momento storico ricco di inventiva e di scoperte. È l’epoca dei corsari, dei galeoni, dei grandi viaggi alla ricerca di favolosi tesori nascosti. La musica, concepita dai grandi compositori per stupire l’animo, non ha tempo né età. Il racconto di Elisabetta Garilli attiva la curiosità dei bambini e accende l’interesse verso un periodo storico pieno di protagonisti ed eroi, artisti e avventurieri.

Lo scritto è suddiviso in nove quadri, nel rispetto del valore che Dante stesso ha dato al numero nove. Questi nove quadri sono titolati che saranno proiettati, in modo che il pubblico comprenda bene l’iter di Antonia e dunque del racconto stesso. La musica originale, eseguita dal vivo, scritta dal compositore bolzanino Luca Sticcotti, utilizzando anche le nuove tecnologie, rifacendosi al testo letterario sottolineerà le sensazioni, gli stati d’animo e le suggestioni che si susseguiranno.
La vicenda si svolge a Ravenna, durante la notte tra il 14 e il 15 settembre 1321.
Antonia Alighieri è nella sua cella, nel convento delle monache domenicane a Santo Stefano degli Ulivi. L’indomani terminerà il suo periodo di noviziato. All’alba prenderà i voti.

Lo scritto è suddiviso in nove quadri, nel rispetto del valore che Dante stesso ha dato al numero nove. Questi nove quadri sono titolati che saranno proiettati, in modo che il pubblico comprenda bene l’iter di Antonia e dunque del racconto stesso. La musica originale, eseguita dal vivo, scritta dal compositore bolzanino Luca Sticcotti, utilizzando anche le nuove tecnologie, rifacendosi al testo letterario sottolineerà le sensazioni, gli stati d’animo e le suggestioni che si susseguiranno.
La vicenda si svolge a Ravenna, durante la notte tra il 14 e il 15 settembre 1321.
Antonia Alighieri è nella sua cella, nel convento delle monache domenicane a Santo Stefano degli Ulivi. L’indomani terminerà il suo periodo di noviziato. All’alba prenderà i voti.

Sintonizzarsi su un canale radiofonico. Ma anche sintonizzarsi con gli altri, soprattutto in questi anni complicati. La pandemia ha
cambiato il corso delle nostre vite, ormai da più di un anno. Ma ora, pur con tutte le cautele del caso, è necessario provare a ripartire. Insieme. Anche col sorriso. Leonardo Manera e Alessandro Milan in “Sintonizziamoci”, tra informazione e comicità, divertimento e riflessioni, provano a dare il quadro della situazione e a immaginare possibili sviluppi futuri utilizzando il vaccino dell’ironia, il più efficace per sconfiggere molti dei mali dell’homo modernus.
Una voce ormai “storica” di radio24, Alessandro Milan, e un comico di pluriennale esperienza, Leonardo Manera, da “UNO, NESSUNO E CENTOMILAN”, la trasmissione radiofonica che li vede protagonisti, approdano a un sorprendente spettacolo “live” dove l’attualità è il punto di partenza per ridere e interrogarsi sulle contraddizioni del nostro tempo.

Enea nello spettacolo compie due viaggi, uno fisico e uno metaforico.  Il suo viaggio per mare è quello di un profugo di guerra come quelli che affollano oggi la nostra cronaca.
La tradizione romana, quindi, assegna il ruolo di predestinato alla fondazione della propria civiltà un uomo che, pur avendo una parte di DNA divino, è un uomo comune, sconfitto, sfortunato, pieno di dubbi e di incertezze.
Cosa ci impedisce di pensare che un uomo con le stesse caratteristiche di Enea, straniero, profugo, sommerso, non possa oggi essere veicolo di un bagaglio culturale degno di un impero come quello romano? E se Roma ha voluto accogliere dall’estero, dal paese di origine del profugo Enea, una cultura diversa, straniera e porla a fondamento della propria civiltà, cosa ci vieta di pensare che sia addirittura possibile la stessa cosa con i migranti che ci raggiungono?

Il viaggio metaforico che compie, nella discesa agli inferi, è il cardine del nostro spettacolo: scendere negli inferi significa avventurarsi nella parte più oscura, alla ricerca dei nostri desideri, delle nostre ombre e delle nostre estreme possibilità.
Duemila anni fa l’imperatore romano Augusto sentì la necessità di far coincidere l’origine leggendaria di Roma con l’origine della sua famiglia, come a voler rintracciare la propria identità in quella di Roma. Duemila anni dopo, lo spettacolo, seguendo le tracce di Enea, ci invita a consultare la nostra personale Sibilla, a scendere nei nostri inferi, a dare un nome alle nostre tragedie, a compiere un viaggio per poter rintracciare le origini della nostra identità e collocarla all’interno di una comunità più ampia.

Lo spettacolo è consigliato per bambini e ragazzi a partire dai 12 anni

Enea nello spettacolo compie due viaggi, uno fisico e uno metaforico.  Il suo viaggio per mare è quello di un profugo di guerra come quelli che affollano oggi la nostra cronaca.
La tradizione romana, quindi, assegna il ruolo di predestinato alla fondazione della propria civiltà un uomo che, pur avendo una parte di DNA divino, è un uomo comune, sconfitto, sfortunato, pieno di dubbi e di incertezze.
Cosa ci impedisce di pensare che un uomo con le stesse caratteristiche di Enea, straniero, profugo, sommerso, non possa oggi essere veicolo di un bagaglio culturale degno di un impero come quello romano? E se Roma ha voluto accogliere dall’estero, dal paese di origine del profugo Enea, una cultura diversa, straniera e porla a fondamento della propria civiltà, cosa ci vieta di pensare che sia addirittura possibile la stessa cosa con i migranti che ci raggiungono?

Il viaggio metaforico che compie, nella discesa agli inferi, è il cardine del nostro spettacolo: scendere negli inferi significa avventurarsi nella parte più oscura, alla ricerca dei nostri desideri, delle nostre ombre e delle nostre estreme possibilità.
Duemila anni fa l’imperatore romano Augusto sentì la necessità di far coincidere l’origine leggendaria di Roma con l’origine della sua famiglia, come a voler rintracciare la propria identità in quella di Roma. Duemila anni dopo, lo spettacolo, seguendo le tracce di Enea, ci invita a consultare la nostra personale Sibilla, a scendere nei nostri inferi, a dare un nome alle nostre tragedie, a compiere un viaggio per poter rintracciare le origini della nostra identità e collocarla all’interno di una comunità più ampia.

Lo spettacolo è consigliato per bambini e ragazzi a partire dai 12 anni

Andrea Motis porta sul palcoscenico del Teatro Ristori un concerto in trio spaziando nel suo repertorio.

Dorothy è una piccola bambina orfana che abita in Kansas con i suoi zii. Un giorno, un tornado spazza via la loro casa, con Dorothy all’interno, trasportandola nel paese di Oz. Qui, la casa, cadendo per terra, schiaccia la strega malvagia dell’Est.
Nel paese di Oz, infatti, esistono quattro streghe: due buone (quelle del Nord e del Sud) e due cattive (quella dell’Est e quella dell’Ovest). Nella capitale del regno, la città di Smeraldo, vi è inoltre un potentissimo mago, il mago di Oz.
Presto Dorothy incontra la strega del Nord, che la ringrazia per aver tolto di mezzo la strega malvagia dell’Est e le dona le sue scarpette di cristallo. Dorothy chiede alla strega di aiutarla a tornare in Kansas ma lei non può fare nulla per lei, le suggerisce quindi di recarsi nella città di Smeraldo per chiedere aiuto al mago di Oz.
Dorothy si incammina così verso la città e incontra tre compagni: uno spaventapasseri che vorrebbe avere un cervello, un boscaiolo di latta che vorrebbe avere un cuore e un leone che vorrebbe essere coraggioso. I quattro compagni superano gli ostacoli lungo la strada e giungono al cospetto del mago di Oz, che promette loro di aiutarli a esaudire ogni desiderio: prima, però, dovranno uccidere la strega malvagia dell’Ovest.
Iniziano da qui le avventure dei quattro compagni di viaggio che portano Dorothy a una nuova consapevolezza.